ZE FACTEUR BLOGUE TOUJOURS DEUX FOIS

CHRONICLE

kschoice — Thu, 10 May 2012 15:56:00 GMT

de Josh TRANK

(2011/ USA-Angleterre)

Avec Dave DeHaan, Alex Russell, Michaël B. Jordan, Michaël Kelly

Genre : fantastique/drame (1h25)

Date de sortie cinéma France : 22 février 2012

Après avoir été en contact avec un mystérieux objet lumineux enfoui sous terre, trois lycéens se découvrent des superpouvoirs. La chronique de leur vie qu’ils tenaient sur les réseaux sociaux n’a désormais plus rien d’ordinaire…
D’abord tentés d’utiliser leurs nouveaux pouvoirs pour jouer des tours à leurs proches, ils vont vite prendre la mesure de ce qui leur est possible. Leurs fabuleuses aptitudes les entraînent chaque jour un peu plus au-delà de tout ce qu’ils auraient pu imaginer. Leur sentiment de puissance et d’immortalité va rapidement les pousser à s’interroger sur les limites qu’ils doivent s’imposer… ou pas !

On le sait désormais (surtout dans l’industrie cinématographique), quand quelque chose fonctionne, un concept, un style, les écrans sont rapidement inondés de films reprenant le même concept ou style, en tentant, avec ou sans réussite, de faire mieux que son instigateur. Ce fût le cas avec l’avènement des effets spéciaux, avec les styles narratifs déstructurés, et depuis quelques années le « found footage ». Littéralement « film (ou images) trouvé(es) », ce concept initié dans les années 80 avec le très controversé Cannibal Holocaust, oublié dès lors jusqu’à ce que deux réalisateurs (Myrick & Sanchez), adeptes du buzz internet, le remettent au goût du jour avec un désormais fameux projet « Blair witch » qui, avec un budget dérisoire (on avait plus vu ça depuis Evil dead), multiplia sa mise de départ par un chiffre absolument dantesque et vertigineux qui motiva par la suite bien des producteurs en mal de rentabilité.

Cloverfield, [.REC], Paranormal activity, Le dernier exorcisme, The devil inside…pour ne citer que les plus récents…force est de constater que chaque film a vu sa mise récompensée par la présence de spectateurs toujours avides de sensations fortes. Dernier né du genre, Chronicle nous offre aujourd’hui une énième version du concept de caméra subjective, d’acteurs non professionnels (ce sont souvent des premiers rôles pour que le public puisse s’identifier aux acteurs sans avoir à se coltiner un Brad Pitt ou une Nicole Kidman ce qui décrédibiliserait le concept même), et des effets spéciaux forcément au rabais vu que le support même permet pas mal de libertés quant à la qualité même de l’image. Qu’en est-il alors de ce « Chronicle » ?...s’engouffre-t-il lui aussi dans les facilités techniques propres au genre ? Eh bien pas vraiment en fait…

Certes, on est loin d’un chef-d’œuvre absolu, ça c’est dit…mais le premier film du réalisateur Josh Trank, démontre beaucoup, vraiment beaucoup de points positifs…

Bien que référentiel au possible (on pense bien sûr aux films cités plus haut tels que Cloverfield dans sa forme), on note surtout une volonté farouche de prouver que le genre peut s’avérer des plus intéressants quand il s’appuie sur un scénario qui, s’il est convenu (les difficultés d’intégration d’adolescents sur un campus universitaire américain, et le besoin de plaire en devenant quelqu’un d’autre parce qu’ils ne se plaisent pas eux-mêmes), regorge de bonnes idées en mélangeant les genres (le fantastique notamment, mais aussi la comédie et le drame).

Alors même que trois ados se découvrent des supers pouvoir après avoir été en contact avec ce qui semblerait être un vaisseau extra-terrestre, leurs premières réactions est la déconnade entre potes en prenant pour cibles des adultes dépassés (la voiture sur le parking), ou des enfants apeurés (le magasin de peluches). Réaction logique là où d’autres super héros comprenaient de suite qu’ils se devaient de sauver le monde. Sorte d’apprentissage en bonne et due forme de pouvoirs qui ne demandent, sous l’influence d’un des trois ados (futur président des représentants d’élèves) peut-être un peu plus dégourdi que les autres, à s’affiner, à se développer, pour prendre de plus en plus de place dans leurs vies respectives.

Un bon point donc pour cette attitude, plus proche des vrais adolescents qui voient là l’occasion faire enfin partie d’un club privilégié en se partageant entre eux seulement leurs découvertes sur des possibilités apparemment pas infinies…En effet, malgré des pouvoirs assurément puissants, l’un deux ne peut s’affranchir d’un père alcoolique et violent, et encore moins sauver sa mère de sa maladie. Ce n’est que dans sa solitude un peu trop réfléchie que se déroulera une introspection gangréneuse, qui lui fera comprendre que malgré le rejet des autres, il est bien meilleur et surtout « au-dessus » des autres. A partir de là, les déconnades se feront un peu plus violentes.

Le côté psychologique n’est donc pas en reste…comme tout pouvoir contrôlé, mais non encadré, les dissensions vont faire leur office après un premier drame qui verra de sérieuses blessures à un automobiliste un peu trop expressif avec son klaxon. Si tout ceci n’était qu’une farce renforçant de prime abord une amitié naissante de par leur seul point commun, après la mort accidentelle de l’un deux, s’en suivra une dualité digne d’un super-héros et de son contraire qui renvoie directement au Magneto des X-men, même à Incassable (pour le manichéisme antinomique), voire au récent et surprenant Hancock, sans oublier un soupçon « Dark Vadorien » pour la lente montée de la colère, ou encore du très réussi Carrie, pour le soudain déferlement de violence vengeresse.

Ajoutez à cela des effets spéciaux très bien intégrés qui servent l’histoire au lieu de l’asservir (superbe scène de spectacle façon jeunes talents où nos jeunes héros peuvent se livrer en public sous couvert d’un spectacle de magie, ou encore la partie de football dans les nuages), et vous obtenez un premier petit film fort sympathique aux nombreuses qualités narratives, esthétiques et psychologiques, bourré de références ciné mais qui possède son propre style sans plagier honteusement les autres. Si vous vouliez vraiment connaître comment naissent les super héros, et ce qu’ils sont et ce qu’ils ressentent…Chronicle peut alors, et seulement si vous vous mettez à leur niveau, vous apporter quelques éléments de réponses. En bref, une réflexion sur le pouvoir et la manière de l’exercer en montrant que chaque individu, s’il en était doté, serait à un moment ou l’autre tenté par « le côté obscur de la force »…en témoigne Kevin Bacon dans Hollow Man, qui dérape inévitablement tapi derrière son invisibilité.

Alors bien sûr, on pourra se poser la question de la légitimité de choisir le style Found footage…mais force est de constater qu’il est ici assez bien intégré à l’histoire et assez crédible, avec en prime de jolis effets de caméra assez maîtrisés, qui utilise les pouvoirs de lévitations pour que la caméra n’ait plus besoin de personne pour filmer (facile, mais ici ça fonctionne plutôt bien). Malgré un style que je trouve personnellement pas très cinégénique (sauf à petites doses pour appuyer un récit en tant que révélation ou autre), le réalisateur réussit habilement à se servir de cet outil de la plus belle des manières pour un premier film, que j’estime, pour ma part, réussi. 17/20

GAINSBOURG (vie héroïque)

kschoice — Wed, 25 Apr 2012 13:33:00 GMT

de Joann Sfar

Avec Eric Elmosnino, Lucy Gordon, Laëtitia Casta, Anna Mouglalis, Mylène Jampanoï, Philippe Katherine, Claude Chabrol, Yolande Moreau, François Morel

(France - 2009 / 2h05)

genre : conte musical/biopic

date de sortie : 20 janvier 2010

Du jeune parisien arborant « l'étoile du sheriff » imposée aux juifs durant l'occupation allemande jusqu'à l'apogée de l'auteur-compositeur-interprète des 80's, une biographie fantasmagorique de Serge Gainsbourg, créateur qui défraya la chronique et laissa son empreinte dans le monde de la chanson avec de nombreuses œuvres poétiques et subversives. Le film retrace la vie de Gainsbourg à travers la plupart de ses tendances artistiques, de son apprentissage de peintre au Gainsbarre en passant par le jazz de Saint-Germain des Près et les yéyés.

Gainsbourg est un peu à la musique française ce que Kubrick est au cinéma. Une institution, une icône (paradoxalement iconoclaste), un perfectionniste opportuniste et provocateur…tantôt considéré comme un génie incompris, tantôt comme un faiseur de tubes sans âme. Artiste torturé, psychédélique et limite schizophrène (Gainsbourg/Gainsbarre), il n’est donc pas étonnant, tout comme le fût avant lui Coluche, qu’il devienne un jour l’objet d’un film. A l’instar de son sujet (un homme pas comme les autres), le film n’est pas un film comme les autres. Bien qu’il couvre une grande partie de sa vie (de son enfance pendant la guerre, à la naissance de son dernier enfant Lulu avec Bambou, en passant par son infarctus et le détournement jamaïcain de La Marseillaise) le réalisateur Joann Sfar met l’accent dès son introduction et son générique de début sur le côté « conte » de son œuvre. A ce titre, le générique affiche non pas un film de … mais un conte de Joann Sfar (à la demande émue de Jane Birkin).

Un essai décalé donc, à la superbe photographie, qui suinte la souffrance psychologique, le manque de confiance en soi, puis une assurance presque dédaigneuse et hautaine. Un tour de main tout à fait étonnant qui avait tout pour se vautrer en beauté et qui se révèle un exercice de style des plus brillants. C’est que l’artiste est aussi passionnant qu’irritant, ou même détestable. Un dandy mégalo, tantôt acide, tantôt subtil, un musicien extraordinaire doublé d’un con fini (dans ses paroles et ses actes visant à provoquer). Mais si tout ceci n’était qu’une mise en scène pour que l’on parle de lui…qu’on le reconnaisse…lui qui avait bien du mal à se reconnaître lui-même ? Qui est vraiment Gainsbourg ? Quelle part Gainsbarre occupe-t-il dans ce corps sujet aux addictions les plus diverses (les plus humaines) ? C’est ce que le film tente d’illustrer. Illustrer est somme toute le mot juste…Illustre, son sujet l’est tout autant…illustrations…Sfar, issu de la bande-dessinée se fera une joie de les mettre en scène…Au travers de tranches de vies, de musiques, de peintures…

Un vilain petit canard qui séduit les femmes (Gréco, Gall, Bardot, Birkin, Bambou pour le film…mais il y en eut quelques autres) par son verbe, qui côtoie des personnalités très en vue à l’époque (très belles scènes avec les Frères Jacques & Boris Vian étonnant Philippe Katherine), qui ne sait où vider les voix et les mots qui traînent dans sa tête si ce n’est dans sa musique, qui s’inspire de situations pour créer ce qui sera son palmarès d’auteur…le film, assez déstabilisant au demeurant, se révèle étonnamment passionnant et presque beau par moments, malgré la présence physique d’un double imaginaire, ce dernier d’abord énorme comme une tique, puis fin et élancé, avec un tarin qui ferait passer Cyrano pour un amateur ridicule.

La musique tient bien évidemment une place très importante ici…que ce soit bien sûr par les propres créations de l’auteur, quelques notes suffiront pour que l’on reconnaisse ses plus grands titres, mais aussi beaucoup d’autres musiques qui influenceront l’artiste, que ce soit des racines russes, ou du jazz manouche de Django, jusqu’au classique qui se retrouve dans plusieurs titres majeurs de Gainsbourg.

Bien sûr, un tel film ne serait rien sans l’acteur qui incarne son sujet. Ici, c’est Eric Elmosnino qui s’y colle, avec un mimétisme assez troublant, tout comme Laëtitia Casta en BB amourachée de l’homme à la tête de chou. Jamais caricatural, toujours à la recherche des fêlures du gaillard (Joann Sfar déclare même «Ce ne sont pas les vérités de Gainsbourg qui m'intéressent, mais ses mensonges») pour en sublimer le côté humain, le réalisateur brosse le portrait d’un musicien hors norme qui ne laisse guère indifférent, qu’on l’apprécie ou non, qui n’a jamais finalement cessé d’être le petit garçon de l’ouverture du film…Un enfant capricieux et arrogant, talentueux de surcroît, qui veut jouer aux adultes, et qui une fois ce but atteint, a bien du mal à faire face aux critiques de ces mêmes adultes. Il aura fallu finalement une femme aussi paumée que lui (Bambou), pour qu’il découvre, un peu tard, le vrai sens de la vie.

Même si le film occulte beaucoup de frasques et coup d’éclats du grand Serge (il y en a tellement qu’il aurait fallu plus qu’un film), le conte fonctionne donc bien puisqu’il s’ouvre sur une plage avec Lucien Gainsbourg, et se termine sur cette même plage, bien des années plus tard, avec le petit Lulu comme ultime création d’un artiste qui disparaîtra peu après. En laissant derrière lui une carrière, des toiles, des textes, des mélodies, des films…Une vie qui, si elle était parfois discutable (et ô combien discutée), se révèle, au travers la vision de Sfar, comme véritablement humaine, troublante, passionnante, héroïque…et cætera. 17/20

CONTAGION

kschoice — Sun, 15 Apr 2012 10:17:44 GMT

de Steven SODERBERGH

avec Matt Damon, Jude Law, Larry Fishburne, Kate Winslet, Marion Cotillard, Gwyneth Palthrow

(USA/Emirats Arabes unis - 2011)

Genre : thriller/drame (1h45)

Date de sortie cinéma : 09 novembre 2011

Une pandémie dévastatrice explose à l’échelle du globe… Au Centre de Prévention et de Contrôle des Maladies, des équipes se mobilisent pour tenter de décrypter le génome du mystérieux virus, qui ne cesse de muter. Le Sous-Directeur Cheever, confronté à un vent de panique collective, est obligé d’exposer la vie d’une jeune et courageuse doctoresse. Tandis que les grands groupes pharmaceutiques se livrent une bataille acharnée pour la mise au point d’un vaccin, le Dr. Leonora Orantes, de l’OMS, s’efforce de remonter aux sources du fléau. Les cas mortels se multiplient, jusqu’à mettre en péril les fondements de la société, et un blogueur militant suscite une panique aussi dangereuse que le virus en déclarant qu’on "cache la vérité" à la population…

H1N1, SARS, VIH, Ebola, Grippe…si notre monde actuel est infesté de virus, souvent mortels, ils n’ont pas pour autant été très scénarisés au cinéma. Si on occulte les faux virus mutants ou ceux qui transforme un simple être humain en horrible zombie, les films les plus connus, traitant des ravages de ces virus restent l’excellent Pont de Cassandre, ou plus récemment Alerte !, et dans une moindre mesure…Infectés.

Dernier né sur ce sujet, le film de Soderbergh pouvait prétendre à se poser comme le fer de lance du genre…Surtout avec le casting de prestige que le réalisateur nous propose ici. Si dès le départ, la caméra s’attarde sur les nombreuses sources porteuses de bactéries (rampe d’escaliers ou de métro, poignées de porte, boutons d’ascenseurs…le reste du film s’attarde malheureusement sur des considérations plus politiques en mettant en exergue les magouilles entre lobbys pharmaceutiques et organisations de contrôles des maladies. Si l’ensemble reste néanmoins propice aux inquiétudes de voir un tel évènement se produire, la démonstration reste très clinique, et froide (musique minimaliste qui n’aide pas vraiment à l’empathie). On parle beaucoup de chiffres, ces derniers étant très probablement proches de ce qu’ils seraient si une tel contagion devait se produire, et à ce titre le personnage du journaliste, incarné par Jude Law, reste paradoxalement le plus intéressant, bien qu’également le plus mystérieux (ses sources sont-elles véritables, ou en tant que (faux ?) prophète, profite-t-il lui aussi de la pandémie ?).

Mais force est de constater que le tout manque cruellement de tension dramatique, d’enjeux humains, et peut-être aussi de moyens dignes d’un sujet comme celui-ci. Les personnages sont tellement nombreux et survolés, qu’il paraît bien difficile de s’y attacher. L’émotion reste désespérément et cruellement absente, y compris dans les quelques scènes de pillages ou de panique. Le même sujet dans les mains d’un Spielberg, aurait tout de suite eut des allures de grand et surtout bon film. N’étant pas un grand fan du travail de Soderbergh, excepté le fabuleux Traffic, où il faisait preuve de bien plus de maîtrise dans sa narration, je pensais me rabibocher avec un réalisateur que je trouve personnellement plutôt prétentieux au vu du sujet et de ses acteurs, mais qui nous livre au final un pamphlet bien insipide, tant il cherche à critiquer les autorités, en mettent en exergue le mensonge et les magouilles, tout en oubliant les millions de victimes ou même comment combattre un tel fléau. C’est à un point tel que Wolfgang Petersen dans Alerte !, malgré un petit côté comédie bienvenu entre le couple Hoffman/Russo, parvenait bien mieux à faire passer l’importance du danger de contagion dans la seule scène du cinéma, où la caméra se focalisait sur une minuscule particule en suspension contenant le virus pour montrer la simplicité de la propagation de ce dernier. Un film assez hollywoodien, certes, mais qui reste finalement bien plus prenant que celui-ci.

Peut-être le réalisateur aurait gagné à se passer de toutes ces célébrités, à revoir ses ambitions à la baisse, en nous proposant un film catastrophe plus conventionnel et plus didactique quant aux règles d’hygiène de base. Il y avait vraiment mieux à faire en la matière. Même la série de pubs sur nos écrans suite au virus H1N1 étaient beaucoup plus explicites.

Il faudra attendre la toute dernière séquence pour avoir un court semblant de tutoriel sur les origines des virus et de leur propagation, leur interaction avec les animaux et les hommes, doublé d’un message aux consonances écologiques qu’il aurait mieux valu mettre en avant et en place beaucoup plus tôt dans le récit. Contagion n’est certes pas un ratage complet, mais il n’est pas non plus le brûlot que j’attendais sur un tel sujet (très porteur émotionnellement), même si on en ressort avec de vraies inquiétudes, et une question persistante…est-ce que le monde est prêt (est-ce que NOUS sommes prêts) à faire face à un tel danger ? Mais est-ce suffisant pour en faire un bon film ? Pas en ce qui me concerne. 10/20

L'EXORCISTE

kschoice — Sat, 24 Mar 2012 17:22:00 GMT

(The exorcist)

de William FRIEDKIN

avec Linda Blair, Max Von Sydow, Ellen Burstyn, Jason Miller, Lee J. Cobb

USA/1973

Genre : Epouvante / 2h09

date de sortie : USA 26/12/73 - France : 14/09/74

En Irak, le Père Merrin est profondément troublé par la découverte d'une figurine du démon Pazuzu et les visions macabres qui s'ensuivent.
Parallèlement, à Washington, la maison de l'actrice Chris MacNeil est troublée par des phénomènes étranges : celle-ci est réveillée par des grattements mystérieux provenant du grenier, tandis que sa fille Regan se plaint que son lit bouge.
Quelques jours plus tard, une réception organisée par Chris est troublée par l'arrivée de Regan, qui profère des menaces de mort à l'encontre du réalisateur Burke Dennings. Les crises se font de plus en plus fréquentes. En proie à des spasmes violents, l'adolescente devient méconnaissable.
Chris fait appel à un exorciste. L'Eglise autorise le Père Damien Karras à officier en compagnie du Père Merrin. Une dramatique épreuve de force s'engage alors pour libérer Regan.

« Le film le plus effrayant de tous les temps », « Souvent copié, jamais égalé », « une référence incontournable », « le film culte de toute une génération »…le plus souvent plébiscité, mais aussi détesté, L’exorciste cumule autant d’avis positifs que négatifs…mais pourquoi tant d’éloges… ??? Pourquoi tant de haine… ?

Longtemps considéré à tort, tout comme Shining d’ailleurs, comme un film d’horreur, le film de Friedkin s’affranchit pourtant des clivages cinématographiques connus…Pas un film d’horreur donc, pas véritablement un film fantastique non plus, L’exorciste se rapprocherait donc plus d’un film d’épouvante, digne héritier des productions de la Hammer, qui pétrifièrent pendant de décennies, moult spectateurs, non pas avec une tonne d’hémoglobine, mais à grand renfort de maquillages, de décors inquiétants, et bien sûr des situations cauchemardesques pour le commun des mortels, en nous livrant des ambiances délétères sur fond de vampirisme ou d’œuvres diaboliques.

Loin pourtant des films des studios cités plus haut, L’exorciste est pourtant à un tout autre niveau. En effet, que l’on soit athée, agnostique ou profondément croyant, nul doute que ce film a le don particulier de mettre mal à l’aise. Et ce, pour plusieurs raisons…

Parce qu’il faut bien l’avouer…tout d’abord il montrait, à l’époque, ce qui n’avait encore jamais été vu sur un écran. Ensuite parce que, dans son désir de marquer les consciences, le scénariste auteur et producteur, William Peter Blatty, nous livre une œuvre des plus réalistes qui va assez loin dans tous les domaines. En montrant le côté extrême du manichéisme religieux, cet éternel combat entre le Bien et le Mal, Dieu et le Diable, l’auteur ne fait pas que répéter ce qui a été fait par le passé. Il actualise son sujet et le rend de fait plus proche de nous, plus inquiétant, plus concret, plus sensible…potentiellement plus réaliste et crédible (rappelons-le, les cas de possessions sont nombreux à être reconnus et traités par l’Eglise même).

Cet énième combat sur fond de religion pure et dure met donc en exergue la bataille que vont mener deux prêtres, dont l’un est sévèrement atteint d’une bonne crise de foi (mouais c’était facile je sais), face à un démon ancestral, tout droit sorti d’une période de notre humanité où l’obscurantisme religieux faisait régner la terreur des fidèles en mêlant le diable à toutes les sauces pour s’assurer du bon soutien du peuple à une Eglise alors toute puissante.

Réflexion philosophique sur la religion, son utilité, son pouvoir, mais également sur les doutes de l’esprit humain, sur la terreur de ce que l’on n’ose imaginer de l’au-delà, du paradis ou de l’enfer, le film peut donc se lire à plusieurs niveaux, du simple divertissement d’épouvante, quand même plutôt efficace pour l’époque, que sur un terrain plus spirituel. Mais finalement, ce qui chamboule vraiment les spectateurs de l’époque, c’est l’effondrement des derniers bastions de l’espérance humaine que sont la famille, le foyer, et l’innocence de l’enfance. Car, c’est bien parce qu’il s’agit d’une préado, à peine sortie de l’enfance, que le film choque véritablement les consciences…Le concept de l’enfance souillée par le mal sera repris maintes fois par la suite (La malédiction, Les enfants du maïs, Halloween, ou plus récemment Dorothy ou Esther etc…)

Mais à cette époque alors, on est loin des possessions adultes, non moins impressionnantes, relatées dans les faits divers ou montrées sur grand écran, et qui sont presque involontairement empruntes de doute quant à la réalité psychologiques des sujets atteints. Avant même de penser à une possession démoniaque, c’est somme toute d’abord des médecins, psychologues ou psychiatres qui sont appelés en premier lieu.

En prenant comme sujet une enfant de 12 ans, qui symbolise encore à cette époque une innocence certaine, inconsciemment, l’histoire s’installe beaucoup plus profondément chez le spectateur au point de se laisser plus aisément manipuler. Le spectateur de base, ne pouvant pas imaginer une seule seconde qu’une enfant puisse mettre en œuvre ou simuler de tels actes, prononcer de telles paroles.

Comme toute œuvre cinématographique, le film est d’abord une manipulation du spectateur pour l’amener là où on veut le tester psychologiquement. Du roman original de William Peter Blatty, dont le film est tiré, et dont l’auteur est aussi celui du scénario, William Friedkin réussit à s’approprier une histoire déjà très efficace sur le livre. Mais alors que le projet se concrétise au tout début des années 70, se pose une question fondamentale…comment retranscrire sur grand écran les sensations ressenties à la lecture du livre ?

Les effets spéciaux, tels que ceux connus aujourd’hui, n’existaient pas à cette époque, et portaient alors le nom d’effets visuels…trouvailles ingénieuses qui s’appuyaient sur des effets mécaniques en raccord avec des maquillages rigoureux, le tout finalisé avec un jeu d’acteur qui se voulait le plus impliqué possible, et bien sûr un montage aussi rigoureux qu’essentiel. C’est là que le talent de mise en scène de Friedkin va faire des merveilles, même si pour cela, il devra se battre, tant auprès de l’auteur même pour imposer sa vision de l’histoire, qu’avec les studios qui seront inquiets de la tournure que prend ce projet. Comme toute œuvre amenée à marquer les esprits et son époque, le film ne s’est pas fait sans heurt et sans prises de bec sur le plateau.

Retour sur un tournage mouvementé d’un monument du septième art…

Avant de se pencher sur la genèse d’un projet qui aura marqué son époque, pour bien comprendre l’impact qu’a pu avoir ce film sur le public d’alors, il faut avant tout se remettre dans le contexte économique et social du début des années 70…

Après plus d’une décennie de combat dans le sud-est asiatique, la guerre du Viêt Nam coûte des milliards chaque année aux contribuables américains, pour un résultat plutôt mitigé. Véritable catastrophe économique et humaine, l’Amérique pleure ses morts, et ne compte même plus ses blessés, presque oubliés, méprisés pour certains, et cette guerre est devenue aux yeux du monde entier, mais surtout pour les américains, un fiasco de premier ordre.

Les sectes se font de plus en plus nombreuses, et avec elles, parfois, naissent d’obscurs et mystérieux tueurs en série (Manson).

Même le gouvernement, censé être le pilier de la nation, s’empêtre avec son chef suprême (Nixon) dans des déboires politiques et financiers plutôt flous qui feront de lui le tout premier président à délaisser volontairement ses fonctions.

L’américain de base perd de plus en plus confiance dans ses politiques, surtout que les troubles dévoilés quelques années plus tôt par le procureur Garrison remettent en cause les conclusions de la commission Warren sur l’assassinat de Kennedy.

Le mouvement hippie, quant à lui, se vautre dans une débauche de sexe, de drogues et de rock’n’ roll (Woodstock), et même le pape (Paul VI) clame haut et fort les preuves, toujours plus nombreuses que le mal a pris possession du cœur et des actes des hommes…« Le Mal n’est pas le vague témoin d’une absence, mais une entité concrète, une créature spirituelle bien vivante (…) une terrifiante réalité. (…) c’est l’ennemi secret qui répand depuis toujours les erreurs et les catastrophes sur l’humanité. »

Un portrait d’une nation en perte de vitesse, et qui semble alors en pleine désillusion, en plein désespoir.

Alors quand le film de Friedkin sort sur les écrans, qui plus est le lendemain de Noël 1973, le public observe médusé, l’effondrement des derniers bastions de l’Amérique puritaine que sont la famille (dans le film, Regan vit seule avec sa mère divorcée), le désormais menacé « home sweet home », la plus en plus fragile Eglise du Christ…et pire que tout finalement, l’anéantissement pur et simple de cette éternelle innocence de l’enfance.

Mais le film est-il pour autant l’ultime preuve d’une humanité en perdition, ou au contraire incarne-t-il un espoir puissant et salvateur ? … Et puis d’où vient cette histoire, si profonde qu’elle a marqué son époque et qui reste encore aujourd’hui une référence absolue ? Eh bien, il s’agit en fait d’une histoire tirée d’un fait réel…

Le cas Mannheim…

Tout commence en 1949. William Peter Blatty, alors âgé de 28 ans, profondément croyant, entre à l’Université Jésuite de Georgetown à Washington. Durant son cursus universitaire, alors qu’il désire s’orienter vers le journalisme, il tombe sur un article intrigant du Washington Post qui relate l’histoire d’un garçon de 14 ans qui « aurait » été délivré du démon suite à un long exorcisme pratiqué par les autorités cléricales. L’article fascine littéralement le futur auteur, qui y voit la preuve irréfutable de l’existence du Diable…donc de Dieu. Désirant en faire une thèse, et encouragé par ses professeurs, Blatty commence alors un travail de recherche, long et fastidieux. Il découvre alors une histoire aussi terrifiante que fascinante…

15 janvier 1949 – 3210 Bunker Hill road à Mount Rainier – Maryland…

Le jeune Robbie Mannheim (rebaptisé par l’auteur de l’article pour préserver l’intimité du garçon) passe une soirée comme les autres en compagnie de sa grand-mère. D’étranges bruits commencent à se faire entendre…des craquements, comme des traces de pas, des frottements dans les murs. Impossible pour le père de Robbie d’en déterminer l’origine, ce dernier estime qu’il doit probablement s’agir de rats.

Quelques jours plus tard, la tante de Robbie (qui elle vit à St Louis) meurt soudainement. Très affecté, le garçon était très proche de sa tante (qui se disait elle-même médium), et c’est notamment avec elle qu’il avait appris le maniement des planches «oui-ja » afin de communiquer avec les morts.

Bizarrement, après ce décès, les phénomènes commencent à changer, tout en s’amplifiant.

C’est au tour du matelas du garçon d’être victime de soubresauts légers, puis de violents tremblements. Les manifestations deviennent récurrentes au point qu’il est décidé que Robbie sera hébergé, pour plus de tranquillité, chez un pasteur luthérien, par ailleurs ami de la famille.

Mais si les manifestations cessent soudain chez les parents du garçon, c’est au tour du pasteur d’être témoin des phénomènes paranormaux qui entourent Robbie.

Totalement ignorant en la matière, le pasteur conseille à la famille de contacter des prêtres catholiques, ces derniers étant plus au fait de ces étranges manifestations.

Dans un premier temps mis en observation chez des prêtres catholiques, c’est fin février/début mars, que ces derniers décident de pratiquer un exorcisme…durant lequel des lettres rouges sous forme de griffures apparaissent sur le corps du jeune garçon. Ce dernier attaque même l’un des prêtres avec un ressort du lit sur lequel il est pourtant attaché, le blessant de l’épaule jusqu’au poignet en vociférant des phrases en latin…langue qu’il n’a, bien évidemment, jamais apprise. Premier échec.

Puisque la mort de la tante semble de près ou de loin, liée à l’état du garçon, décision est prise de pratiquer un nouvel exorcisme, mais cette fois-ci, dans la maison même de la tante défunte.

Les phénomènes s’intensifient…

La lettre X, les mots « enfer », « partez », apparaissent en lettres de sang sur la poitrine du garçon, tandis que ce dernier pète, fait semblant de se masturber, et arrose copieusement de pisse l’archevêque (Joseph Ritter) et les pères jésuites (Raymond Bishop & William Bowdern) ayant ordonné cet exorcisme.

Nouvel échec.

Cette tentative n’ayant rien arrangé, bien au contraire, le garçon est rapatrié chez lui à Mount Rainier. Les phénomènes continuent…Des chiffres (4,8,10,16) apparaissent, déchirant la peau du garçon…des mots aussi… « enfer », « rancune », et le jeune Robbie se met à insulter d’une voix gutturales et profonde les membres du clergé. Insultes accompagnées de gestes obscènes et outrageants.

Après maintes tentatives, force est de constater que les exorcismes pratiqués s’avèrent des échecs cuisants, et le père Bowdern finit par faire admettre le jeune Robbie Mannheim dans un institut psychiatrique…où les manifestations continuent de plus belle, agrémentées de nouvelles…

Des membres du service psychiatrique affirment avoir été témoins de soudaines baisses de températures. L’air était également emprunt de relents pestilentiels et le visage du garçon se déformait parfois de façon terrifiante et inexplicable, sans qu’aucune personne ne puisse y faire quoi que ce soit, si tant est qu’un volontaire accepte de s’approcher du garçon.

L’histoire se termine le lundi 18 avril de cette même année 1949…

Alors qu’il en pleine crise d’injures blasphématoires, le jeune Robbie se met soudain à parler d’une voix douce presque normale au vu de ses précédentes manifestations vocales…

« Satan…Satan…Je suis St Michel, et je t’ordonne à toi Satan, et à vous, les autres maléfiques, de quitter ce corps, au nom du Maître. Immédiatement ! Maintenant, main-te-nant, MAINTENANT ! »

D’un état extrême, où tout son corps et ses muscles étaient tendus, Robbie Mannheim s’effondre dans son lit, comme soudain apaisé, retrouvant sa sérénité d’avant. Des observations ultérieures ont confirmé qu’il n’a plus été la victime de quelque manifestation « diabolique » que ce soit. Le cas a bien sûr, par la suite, fait l’objet d’une étude minutieuse par les psychanalystes les plus réputés, et les conclusions qui en ont été faites sont les suivantes :

« Désordre psychosomatique avec syndromes télé kinésiques. »

Mais William Peter Blatty, ne s’arrête pas à ce simple article du Post. Il se met en tête de rencontrer le père Bowdern qui a mené ces exorcismes, afin de s’entretenir longuement avec lui. Car une idée germe en lui…

Le père Bowdern lui confie beaucoup de choses, et lui fait un récit très précis de tout ce qui s’est passé durant les nombreuses tentatives. Une phrase notamment, est resté en mémoire du futur auteur face à l’homme d’église profondément chamboulé par ce cas ;

« Je peux vous affirmer une chose…Je sais parfaitement ce que j’ai vu. A l’époque, c’était une évidence pour moi. Et aujourd’hui…je n’ai toujours pas le moindre doute. »

Atterré par les révélations du père Bowdern, Blatty déclare plus tard qu’il croit dur comme fer à la véracité des faits ;

« …Il ne s’agit pas d’un cas parmi tant d’autres dont j’aurai pu avoir connaissance. Si je n’avais pas croisé cette affaire…jamais je n’aurai écris L’exorciste. Au départ, je ne voulais pas faire un roman, mais le compte rendu détaillé d’une véritable possession diabolique. »

Seulement, il y a un problème…L’archevêque (Joseph Ritter) ayant formellement interdit aux prêtres ayant pratiqué les exorcismes de parler de quelque manière que ce soit de cette affaire, Blatty ne peut donc pas utiliser les révélations qui lui ont été faites.

Le futur auteur se voit donc dans l’obligation de s’orienter sur une histoire romancée, ne gardant que les grandes lignes de l’affaire, changeant les personnages, les lieux, pour écrire ce qui allait être non seulement un énorme succès en librairie, mais une adaptation cinéma qui marquera à jamais l’histoire du septième art.

Si cette incursion dans ce domaine a laissé de profonds troubles chez l’auteur, dans sa version romancée, Blatty ne gardera que très peu d’élément de la possession de Mount Rainier. En effet, il avoue lui-même volontiers que jamais le cas Mannheim n’est allé aussi loin, dans l’obscène notamment, que ce qu’on peut lire dans le livre ou voir dans le film.

Le plus flagrant étant probablement le fait que le jeune Robbie n’était possédé que la nuit, bizarrement lorsqu’il se déshabillait le soir (les séquences psychanalytiques ayant révélé que la tata médium aurait très certainement commis des attouchements sur le garçon) avant d’enfiler son pyjama pour se coucher. De jour, Robbie ne se rappelait absolument rien de ses frasques nocturnes.

Autres différences…pas de décès, pas de lévitations, pas de murs fissurés, pas de vomissures extrêmes (tout au plus quelques crachats bien ciblés), et surtout…pas de rotation de tête.

On ne le saura que bien plus tard, mais Mount Rainier n’était pas le lieu même de la possession. Tout a commencé à Cottage City, un village voisin. Mais par soucis de tranquillité, le fait à été délocalisé, le temps de gérer cette affaire obscure.

scénario

Le roman et son adaptation…

Alors que Blatty se débat avec son éditeur, qui demande des changements (la fin pose déjà problème), dans la foulée du projet de publication, un contrat est mis aux enchères pour l’acquisition des droits et du scénario en vue d’une adaptation cinématographique…Pour un montant de 400 000 $ le producteur Paul Monash, travaillant étroitement avec les studios Warner en acquiert donc les droits.

Désormais détenteur du projet, Monash fait de lui-même des changements dans le scénario de Blatty. Après quoi il décide finalement de refiler le bébé aux studios Warner en revendant le script pour 640 000 $ avec un joli bénéfice au passage.

Mais Blatty, soucieux du devenir de son œuvre, a vent des manipulations. Furieux, il réussit à réunir des preuves de falsifications et fait donc pression auprès de Warner pour que son scénario original soit utilisé en l’état, sans tenir compte bien sûr des modifications ultérieures.

Premier coup d’éclat…Warner est dans l’obligation de se séparer de Monash, pourtant prévu comme producteur sur le film. Blatty prendra donc sa place, devenant par là-même le seul producteur du futur film.

Côté réalisateurs…Stanley Kubrick est sur les rangs. Mais vite écarté, car, comme à son habitude, il désire apporter des modifications radicales sur l’histoire. Il se rattrapera des années plus tard avec le non moins célèbre Shining d’après l’œuvre de Stephen King, ce dernier critiquant violemment les changements (radicaux justement) apportés à l’histoire sous l’impulsion de Kubrick.

Chez Warner, on pense également à Arthur Penn, Mike Nichols, John Cassavetes ainsi que Mark Rydell. Mais Blatty a un autre homme en tête…William Friedkin.

Les deux hommes se connaissent, et Blatty admire le franc parler et le professionnalisme de Friedkin…aussi, pour imposer son choix, il va jusqu’à menacer les studios de poursuite si son souhait n’est pas exaucé de voir Friedkin aux commandes (il est, rappelons-le, l’auteur du livre original, scénariste, ET désormais producteur). Devant la détermination de Blatty, et comme Friedkin vient de livrer au public (et aux studios concurrents 20th Century Fox) une véritable bombe (French connection) récompensée par 5 oscars (dont meilleur réalisateur) la Warner accepte en espérant fortement qu’avec autant de talents aux commandes, le film sera lui aussi un évènement.

Le tournage…Le règne d’un tyran

Mais tout n’est pas encore fait. Si Friedkin est bien embauché au poste de réalisateur, ce dernier veut lui aussi, décidément, y apporter des modifications. Fidèle à son franc parlé, tant admiré par Blatty, le réalisateur incite fortement l’auteur à réécrire le scénario selon ses directives, sinon il se retire du projet. Friedkin estime que Blatty s’est trop éloigné de son roman, aussi, il reprend le bouquin de Blatty qu’il annote au feutre lui demandant, dans son scénario d’approfondir certaines choses, ou au contraire d’en oublier certaines autres.

Blatty est au pied du mur…c’est lui qui a imposé Friedkin aux studios et il connaît son talent de metteur en scène…Il n’a d’autre solution que d’accepter, et il réécrit un nouveau script, presque en collaboration avec le réalisateur, qui demande à lire le scénar selon son évolution, en demandant à Blatty de laisser tomber quelques petites intrigues secondaires qui auraient plombé le film.

Alors que les studios soumettent les noms de Marlon Brando pour jouer le père Merrin…Friedkin refuse…«trop connu », Jack Nicholson ou même Paul Newman pour le père Karras…Friedkin refuse également et préfèrera un total inconnu. Friedkin fort de son assurance, impose sa volonté, tant à Blatty qu’aux grands pontes de chez Warner.

Furieux sur le moment, force est de constater que l’avenir donnera raison au réalisateur, car Blatty obtiendra l’Oscar de la meilleure adaptation, et le film, malgré un budget, colossal pour l’époque d’un peu moins de 17 millions, engrangera des recettes mondiales de plus de 400 millions en exploitation salles.

Mais Friedkin, aussi talentueux soit-il, est vu par les studios comme un réalisateur capricieux et quelque part dangereux. Outre son côté visuellement choquant et inoubliable, le film n’est pas qu’une succession d’images pour un simple film, que beaucoup considèrent comme un film d’horreur. Le réalisateur, conscient du potentiel visuel de l’histoire va tout faire sur le tournage pour que ses plans, comme les maquillages et les effets visuels soient les plus réalistes possibles. Poussant son professionnalisme à son paroxysme, le réalisateur va dépenser énormément d’argent pour construire un plateau digne de ce nom pour un résultat qu’il veut le plus marquant qui soit. Le résultat final secouera tellement les pontes du studio que ces derniers ne savaient pas finalement s’ils devaient sortir le film en l’état…trop…de tout selon eux…trop choquant, trop vulgaire, trop insoutenable trop ceci, trop cela…mais après d’âpres discussions portant sur l’argent dépensé pour la production, ils se mettent d’accord pour le sortir finalement, avec une réelle crainte de déclencher une vague de scandale sans précédent.

Le film se divisera donc en trois parties distinctes. Le prologue irakien, assez long et volontairement inquiétant, les manifestations paranormales de la jeune Regan, et bien sûr l’exorcisme proprement dit.

Si les deux premières phases se déroulent en extérieur, et dans une vraie maison de Washington (Mme Mahoney, la propriétaire de la maison de Prospect Street, utilisée dans le film à eu beaucoup de déboires suite au succès du film…« Depuis que le film est sorti, un nombre terrifiant de personnes qui rentrent du cinéma après avoir vu L’exorciste, s’arrête devant ma porte et pousse des hurlements. »), l’exorcisme en lui-même requiert alors toute une batterie de préparatifs minutieux.

Le film doit absolument tenir la promesse faite par son titre. Et pour cela, Friedkin tournera l’intégralité de cette partie en studio…Tout est alors construit à l’identique (la chambre de Regan), mais à ceci près que le décor est lui-même construit à l’intérieur même d’une gigantesque chambre froide. Beaucoup de contraintes pour obtenir, en baissant la température bien en-dessous de zéro, les exhalations des protagonistes afin de rendre plus crédible encore cette scène.

L’équipe du film cache les dispositifs nécessaires au tournage dans les faux plafonds…tout ce qu’il faut pour faire bouger le lit, faire léviter Linda Blair à l’aide de cordes de piano, ou encore une fenêtre spécialement aménagée d’un petit ventilateur pour que les rideaux flottent sur commande…

Les éclairages plateaux réchauffant le décor, il fallait régulièrement interrompre le tournage pour refroidir le plateau entre -20 et -30°.

Tout est fait en direct sur le plateau, grâce à l’équipe des effets visuels, harcelée par le réalisateur pour obtenir parfois l’impossible. Friedkin à une vision précise des plans qu’il veut tourner, et devient presque tyrannique sur son équipe pour obtenir ce qu’il désire…le maquilleur Dick Smith en fera les frais... Alors que Friedkin lui demande quelque chose sur le maquillage de vieillissement de Max Von Sydow, Smith lui signale que le rendu ne sera pas des plus saillants. Friedkin impose, ordonne…exige que sa volonté soit faite. Comme prédit, le résultat n’est pas à la hauteur de la demande du réalisateur. Friedkin, furieux se tourne vers son maquilleur en lui signifiant son mécontentement… « C’est horrible !!! » Dick Smith, avec pour seule défense un « Je t’avais prévenu » limite sarcastique, se fait alors littéralement incendié par Friedkin, ce dernier lui vociférant au visage « Ne me parle sur ce ton ! ».

Smith quittera le plateau de lui-même, laissant sur le carreau Friedkin et son équipe, pour revenir le lendemain, non s’en s’être expliqué avec le réalisateur.

Et ça marche, sous les ordres de Smith, les techniciens se surpassent, et les scènes sont tournées. Mais tout ceci ne sera pas sans conséquences, et le matériel, ainsi que les décors et les comédiens, pâtissent des exigences du réalisateur, de plus en plus dispendieuses qui plus est. Dick Smith témoigne bien des années plus tard : « Il était dur. Mais c’était très stimulant. Il m’a amené à faire le meilleur travail que j’avais fait jusque-là. »

Il y aura de nombreux problèmes caméras liés aux températures négatives du tournage…des courts-circuits, des petits incendies, des maquillages qui ne tiennent pas le froid…même le harnais qui secouait la jeune Regan d’avant en arrière, très rapidement et non moins sèchement, a été défectueux, occasionnant quelques contusions à Linda Blair, qui paradoxalement criait son texte avec la plus fervente détermination « Fais le s’arrêter »…ce qu’elle lançait vraiment au réalisateur, tant elle souffrait le calvaire. La jeune actrice, en effet, est rudement mise à contribution lors des séquences où elle est possédée du démon…Le lit qui bouge, son corps, secoués de tous côtés…elle subira même un traumatisme dorsal suite à ce défaut de matériel.

Mais ce n’est cependant pas pour cette raison qu’une doublure sera engagée sur le film…aussi pointu et exigeant soit-il, Friedkin ne pouvait décemment pas laisser la jeune actrice même simuler des scènes on ne peut plus explicites et proférer des jurons à faire passer le plus macho des bikers, pour un amateur de premier ordre.

Tous ces problèmes mis bout à bout, créant des tensions sur le tournage, grossissant un peu plus un budget déjà largement dépassé…le tournage prend du retard.

Sans compter le comportement presque tyrannique du réalisateur qui maltraite littéralement ses acteurs avec lacomplicité des techniciens…Il gifle le révérend William O’Malley qui interprète le père Dyer, juste avant une prise pour obtenir le trouble et les tremblements de ce dernier. Alors qu’Ellen Burstyn lui signale que pour la scène où Regan la gifle, le harnais qui la propulse en arrière la tire trop fort, il fait mine de dire au technicien de réduire la traction, alors qu’il lui intime l’ordre d’y aller encore plus fort. Résultat, Burstyn se fait mal au dos, mais la prise est bonne car la douleur qu’elle affiche à l’écran est alors bien réelle, et elle sera examinée par un chiropracteur par la suite.

Idem pour le compositeur Lalo Schifrin, embauché sur le film...ce dernier fier du travail qu’il accomplit pour le film, présente son travail avec un orchestre au réalisateur. A la fin du « concert » Schifrin se fait littéralement jeter dehors avec ses musiciens par Friedkin, ce dernier vociférant, colérique, qualifiant presque sa partition comme de la musique pour parking de supermarché. Ce n’est que par la suite que Friedkin se tournera vers l’album Tubular Bells de Mike Oldfield pour en extraire un court moment. Quelques notes d’ouverture que le réalisateur considèrent comme l’exemple parfait de ce qu’il recherche comme création d’atmosphère.

Mais Friedkin, en perfectionniste qu’il est, n’en démord pas, qu’importe les jérémiades de ses acteurs, de son auteur, des studios…« Il faut que ça fasse vrai ! ». Il ignore les mises en garde des studios Warner, et les relances presque suppliantes de Blatty de réintégrer la fin originelle avec le dialogue entre les deux prêtres (dialogue qui sera rétablit dans la version de 2001).

Le tournage, de par son sujet déjà polémique, suscite de vifs intérêts de la presse. Cette dernière fustige déjà, sans même l’avoir vu, un film qui ne fera aucunement date dans l’histoire du cinéma.

Friedkin, en parallèle d’un tournage devenant peu à peu chaotique, décide de mener des campagnes publicitaires afin de garder l’intérêt du public. Conscient de la force de son film, qu’il sait pourtant menacé, le réalisateur va jusqu’à faire de fausses déclarations à la presse sur l’atmosphère du film.

Parmi la plus choquante, après vision du film, le fait que Linda Blair a effectué elle-même toutes les scènes du film. Alors mineure, certaines scènes explicites (la masturbation avec le crucifix) et les jurons prononcés font monter au créneau beaucoup de monde.

Il fait également courir des rumeurs sur des évènements liés au film…comme la mort de Jack Mc Gowran, qui incarne dans le film, le réalisateur. En effet, Mc Gowran meure d’une grippe sévère, à peine trois mois après la fin de ses scènes dans le film. L’amalgame est tentant, et vite assimilé par les détracteurs du projet, considérant le projet même comme satanique. Sans compter que d’autres morts sont recensées…le bébé d’un des membres de l’équipe meurt à la naissance, le propre frère de Max Von Sydow décède pendant le tournage du film, ainsi qu’un technicien chargé de refroidir le fameux plateau de la chambre froide.

Même Jason Miller, qui interprète le père Karras y va de son anecdote troublante…

« Pendant le tournage, j’allais dans un restaurant dans le quartier des jésuites, pour y étudier mes répliques. Et un jour, un très vieux prêtre (qui avait eu vent du tournage et de son sujet) vient me donner un médaillon de la Vierge Marie en me disant : « Connaissez-vous le concept de l’intervention ? » J’ai dit Non… « C’est un concept gnostique du 15^ème siècle…Si vous faites quelque chose au Diable, quoi que ce soit, pour révéler comment il tend ses pièges, il cherchera à se venger de vous. Il tentera même d’arrêter ce que vous faîtes pour le démasquer. Ce médaillon vous protègera. Prenez bien soin de vous ! » Et il est partit.

Peut-être trois jours après, dans le même quartier, je longe des couloirs, je passe devant une salle de prière et du coin de l’œil, j’y aperçois un cercueil. Je m’approche, le cercueil est ouvert…dedans, le vieux prêtre…mort. »

Max Von Sydow tempère néanmoins la chose : « Quand un tournage s’effectue sur un mois, il ne se passe pas grand-chose, mais sur une période plus longue, près d’un an pour ce film, il peut se passer tout un tas de choses, qui ne sont pas forcément en rapport avec ce que vous faites. »

Parmi les autres déclarations, le réalisateur prétend que les enregistrements d’un véritable exorcisme ont été utilisés pour la bande-son du film.

Dernier coup d’éclat, la scène de lévitation (une photo de la dite scène était déjà publiée par la presse) a été réalisée en créant un puissant champ magnétique.

Naturellement, tout est faux, et ce n’est qu’un stratagème du réalisateur pour faire parler du film, attiser la curiosité de certains, provoquer des débats animés, afin d’assurer le succès du film dans les plus brefs délais après sa sortie en salle, et de se mettre à l’abri des foudres du studio Warner, qui commençait à voir ce projet comme un film maudit et dangereux pour tous ceux qui y avaient participé.

Il révèle également que les scènes les plus choquantes du livre seront présentes dans le film, notamment la masturbation avec le crucifix, conscient d’attirer avec ces révélations les plus voyeuristes des spectateurs.

Sans compter que les déclarations de Friedkin iront jusqu’à provoquer, après la sortie du film, le mécontentement de deux actrices, alors absentes du générique…La première, Mercedes Mc Cambridge, affirme que c’est elle qui a enregistré les jurons et dialogues explicites du film en postsynchronisation. La seconde, Eillen Dietz incarne le visage démoniaque au maquillage blafard qui apparaît en images presque subliminales tout le long du métrage, ainsi que, et c’est le plus important, sur la scène où Regan, alors possédée se masturbe avec un crucifix. Tout cela atténue de beaucoup le scandale des affirmations du réalisateur, et rend, un peu tard, son innocence à la jeune actrice Linda Blair, alors harcelée par les journalistes.

Les deux femmes iront même en justice pour obtenir gain de cause…De là à penser que c’est pour cela que Linda Blair, alors nominée, est passé à côté de l’Oscar de la meilleure actrice…

Mais le mal est fait…

Linda Blair déclarera plus tard à propos de ce film et de ses conséquences sur sa carrière où ses relations avec le public…

« J’ai effrayé des milliers de personnes, et quand elles me voyaient, que ce soit au supermarché, ou dans un magasin de vêtements, leurs réactions étaient incroyables…je les terrorisais (…) je n’oublierai jamais…j’avais l’impression de vivre un cauchemar. Peu importe ce que je disais à la presse, ils écrivaient ce qu’ils voulaient…soit que j’étais possédée, soit que j’étais à l’asile. »

Quand on lui demande comment elle a pu accepter de jouer un tel rôle, elle répond que ce n’était qu’un rôle, et qu’elle se dissociait de son personnage et de ce qu’on lui faisait dire. Quant à la scène de masturbation, une de ses déclarations va à l’encontre de celles d’Ellen Dietz.

Linda Blair : « Je ne comprenais pas ce qu’était la masturbation à cet âge. Il y avait une boîte, une éponge et du sirop avec du colorant rouge. J’avais ça entre les jambes. Je devais mettre la croix dans la boîte…c’est tout. J’ai compris ce que c’était bien des années après. »

A l’instar de Alison Arngrim (Nelly Olson dans La petite maison dans la prairie) Glenn Close dans Liaison fatale, ou plus récemment Stephen Lang dans Avatar, tous trois haïs et harangués en public par des spectateurs, il semble que les américains soient peu enclins à faire la différence entre un personnage cinématographique, de l’acteur ou actrice qui l’interprète.

Linda Blair & William Friedkin

La postproduction…

Mais revenons au film…Alors qu’un film «normal » demande tout au plus quatre mois de tournage, une année entière sera nécessaire pour mettre en boîte L’exorciste. Et si le tournage aura été émaillé de dissensions et de discordes diverses, Friedkin continue à imposer sa propre vision du film, y compris en salle de montage.

Dans son montage original, d’une durée de 2h20, Friedkin avoue ne pas être satisfait de certaines scènes et dialogues qui, selon lui, expliquent bien trop de choses au spectateur. De plus, il ne veut absolument pas faire du film une dissertation théologique sur le manichéisme de son sujet. Ce qu’il veut avant tout, c’est en faire LE film d’épouvante par excellence et ne tient donc pas à s’embarrasser de dialogues explicatifs sur ce qui se passe à l’écran, sa plus grande peur étant de prendre les spectateurs pour des abrutis à qui il faut tout expliquer.

Alors que Blatty ne cessait de supplier le réalisateur de tourner une scène particulière, Friedkin accepte sur le tournage afin de calmer les tensions. Mais au final, il revient à la charge, et décide, contre l’avis de Blatty de couper la scène en question…

Une discussion entre les pères Merrin et Karras sur les raisons même de la possession de la fillette. Blatty essaie de tout son poids d’auteur, scénariste et producteur d’influer sur cette décision, recevant même au passage le soutien de Max Von Sydow qui, déjà sur le tournage, demandait à ce que ce dialogue soit plus approfondi.

Blatty n’en démord pas…

«Cet échange dans l’escalier entre Merrin et Karras est la clé de tout le film. On y comprend pourquoi on a subi tant de choses horribles jusque là ».

Rien y fait. Et Friedkin va jusqu’à virer Blatty, purement et simplement, de la salle de montage afin de pouvoir exécuter le montage qu’il a en tête.

Plus tard Friedkin se justifiera en disant…

« Tout le film illustre ce dont ils parlent…alors pourquoi en parlent-ils ? Blatty pense que les personnages devaient faire une pause pour, en quelque sorte, expliquer le film au public. C’est là où nous ne sommes pas d’accord. Je ne crois pas utile de l’expliquer. Pour moi, c’est au public de ressentir les choses par lui-même. La pire chose à faire étant de lui mâcher le travail. »

Pour Friedkin, le simple fait que Karras incite le démon à prendre possession de lui se suffit à lui-même. Il libère Regan et tue le démon en se sacrifiant…« Prends-moi…Entre en moi ! » Le démon a besoin d’un corps vivant…pourquoi alors prendrait-il possession de Karras pour finalement le défenestrer ? Le démon se tuerait également…hors, depuis le début, la cible du démon est Regan, pas Karras. On voit d’ailleurs nettement Karras, sous l’impulsion du démon, tenter d’étrangler la fillette (alors libérée et littéralement épouvantée). Mais le prêtre trouve en lui la force de dire « Non » et de se jeter violemment à travers la fenêtre. Les trucages visuels, effectués en postproduction par superposition d’images, tendent à renforcer cette évidence.

Pour Blatty, en revanche, il est capital que le public comprenne que c’est Karras qui réussit à vaincre le démon en le forçant à entrer en lui, avant de se sacrifier par la suite en se défenestrant avec son hôte démoniaque. Et l’avenir prouvera que beaucoup de personnes n’ont pas saisi cette évidence, ce qui justifiera en partie une édition spéciale en 2001.

L’effet « Exorciste »…

Quoi qu’il en soit, quand le film sort enfin sur les écrans, le 26 décembre 1973, c’est un grand n’importe quoi qui s’installe…

Certains vomissent et quittent la salle (un directeur de cinéma de Washington déclara même que son personnel devenait fou à force de passer leur temps à nettoyer les vomissures), d’autres deviennent « hantés » par le film, et dans différents pays du monde, le film est même tenu responsable dans des meurtres commis par de jeunes adultes après avoir vu le film.

Certains pays (la Tunisie en tête) vont boycotter tout simplement le film, parce que trop propagandiste sur la puissance de l’église catholique. D’autres pays le censurent. Des associations militent pour mettre en avant le côté dangereux du film, le traitant de satanique, alors qu’au contraire l’Eglise elle-même, on s’en serait douté, y voit une œuvre, certes choquante, mais profonde et pleine de spiritualité, doublée d’une formidable et inespérée publicité gratuite sur la toute puissance de la foi catholique envers un Dieu que beaucoup de gens ont tendance à délaisser.

Force est de constater, qu’après la sortie de L’exorciste, l’Eglise a noté un net changement des mentalités, et un nombre croissant de personnes devenues croyantes après avoir vu le film. La fréquentation grandissante des principales églises du pays, et les recueils des aveux en confessions prouvent que le film a fait énormément de remous après sa sortie.

Malgré une réputation sulfureuse, et des critiques assassines, le film est un immense succès et le public reconnaît l’efficacité, tant du récit, que d’une réalisation sans commune mesure. Le film recevra 2 oscars sur ses 8 nominations, celui du Meilleur son pour Robert Knudson et Christopher Newman, et Meilleur scénario adapté pour l’auteur original William Peter Blatty…de quoi calmer sa colère d’avoir vu son œuvre détournée par un réalisateur qui deviendra finalement un ami cher.

Si l’œuvre originale peut donc être ressentie à plusieurs niveaux, Blatty, et ce dès le départ, a voulu écrire cette histoire pour le bien de l’Eglise (il est, rappelons-le, profondément croyant), et pour ceux qui, comme le père Karras, seraient la proie au doute le plus profond.

La majorité des spectateurs y voit un film d’épouvante efficace et vibrant, bien qu’alambiqué pour certains…En effet, le film est dans son commencement assez long à se mettre en place, puis par la suite, tel un grand huit, tout va trop vite, pour se terminer on ne peut plus brutalement.

Certains retournent voir le film pour mieux le comprendre, d’autres partent avant la fin. Il est vrai que la narration est étrange, nouvelle, avant-gardiste…déstabilisante.

Mais si le prologue est assez long à se mettre en place, c’est que Friedkin veut, par des plans à priori anodins, installer des repères pour la suite de l’histoire.

Analyse des scènes…

Cela commence par la séquence irakienne bien sûr, mais aussi en suivant le quotidien du père Karras, en découvrant les doutes qui l’habitent quant à ses convictions religieuses.

Ainsi, lorsque l’on suit le père Karras rendant visite à sa mère, honteusement attachée à son lit d’hôpital, cette dernière lui lance une plainte déchirante…«Dimmy, pourquoi tu m’as fait ça ?» avant de se détourner vivement de lui.

Cette même scène sera reprise, quasiment à l’identique, durant une des séquences d’exorcisme, où Regan, elle-même attachée à son lit, sous l’emprise du démon, prendra la voix de la mère de Karras, répétant cette même phrase, mot pour mot, ce qui terrifiera littéralement le père Karras, mais surtout le spectateur qui y verra une preuve irréfutable des pouvoirs psychiques de l’entité démoniaque habitant le corps de la jeune fille.

Autre élément à prendre en considération…lors de la scène de tournage du film où la mère de Regan tient un rôle dans la révolte d’adolescents universitaires (cette même jeunesse accusée de s’abandonner aux activités du démon (sexe/drogue/rock’n’roll), elle lance au mégaphone : « Si vous espérez changer les choses, il faut le faire à l’intérieur du système. »

Cela peut paraître anodin, mais au loin, s’éloigne justement le père Karras, en proie à une sévère crise d’identité, ne croyant plus au système de la foi catholique. Les actes du démon, celui-là même qui le fera croire de nouveau en Dieu, et replonger de pleins pieds dans une foi puissante et salvatrice…se rendant compte de lui-même que le seul système qu’il connaît, la foi catholique sera finalement son seul salut face aux méfaits du démon.

Toujours sur le père Karras…alors qu’on le voit dans le métro, la bande son crache alors des martellements métalliques infernaux, qui ne sont pas sans rappeler le prologue irakien, lors de la découverte de l’amulette.

Des chiens se battent, comme si l’excavation d’un tel pouvoir amenait l’inévitable conflit entre l’entité et les prêtres, qui se battront eux aussi, même physiquement.

Le père Karras, à l’instar du père Merrin, semble être un personnage très important de l’histoire, puisque beaucoup de scènes lui sont consacrées. Notamment la scène du rêve qui survient après la mort de sa mère.

Cette dernière en est le centre d’intérêt…On la voit sortir d’une bouche de métro, prendre peur, et retourner sous terre, dans le métro, ce même métro où Karras était il y a peu, entouré de bruits infernaux. On y voit également des images du prologue irakien, vécu par le père Merrin, alors que Karras n’y a jamais mis les pieds…

Une explication comme une autre…Pourrait-ce être le signe prémonitoire de la rencontre des deux hommes ?

Et ce métro, ne serait-ce pas une certaine représentation de l’enfer ? Puisque Karras ne croit plus en Dieu, avec lui le paradis, se pourrait-il que sa mère reste prisonnière d’une ville (New-York) et de ses entrailles infernales où règnent le meurtre et la puanteur ?

D’ailleurs, à bien y regarder, plus loin dans le film, le démon vocifère que « Ta mère suce des bites en enfer ! »

Ce qui semblait une attaque à la foi vacillante de Karras va, sous le contrôle de Merrin, lui servir à retrouver cette foi perdue.

On peut également, dans les scènes rajoutées, faire une tentative de parabole sur la médecine et la foi catholique…en effet, comme les prêtres tenteront d’exorciser le mal spirituel, la médecine, selon un rituel tout aussi rigoureux, tentera d’identifier et d’anéantir le mal physique. L’impressionnante scène de l’artériographie est là pour prouver que tous les progrès de la médecine moderne ne peuvent finalement rien contre ce mal ancestral. Et malgré des procédés, aujourd’hui passablement obsolètes, il en faudra d’autres, bien plus anciens, résurgences de traditions millénaires dans la croyance d’un dieu tout puissant qui a façonné l’humanité.

Une image en particulier résume assez bien cette théorie…celle de la croix blanche du scanner, en plein milieu du front de Regan, qui rappelle curieusement les rites religieux consistant à appliquer un crucifix sur le front des dits possédés pour identifier le mal d’abord, pour ensuite l’éradiquer.

Cependant, si certaines scènes étaient présentes dans le scénario, d’autres ont été rajoutées par totale improvisation sur le plateau…C’est le cas de la scène de la rotation de la tête. Totalement absente du roman original, et donc du scénario, Blatty proteste violemment sur le plateau quand le réalisateur « bricole » cette idée saugrenue avec ses techniciens. Pour l’auteur, cette scène risque tout simplement de faire perdre tout le sérieux de l’entreprise, et de faire tomber le film dans le ridicule le plus absolu. Pour Blatty, surnaturel et paranormal ne veulent en aucun cas dire impossible et irréel.

Malgré les réticences de l’auteur, Friedkin, une fois de plus, use de sa position pour faire valoir sa vision de la scène et explique à Blatty qu’il faut prendre cette scène comme une hallucination du père Karras et non comme une réalité des pouvoirs du démon. Le bref plan de coupe dans la scène est d’ailleurs utilisé dans le but de permettre une interruption dans le mécanisme rotatif qui ne pouvait pas faire un tour complet, mais aussi pour démontrer et renforcer le côté dubitatif du prêtre.

Mais grâce au montage, au maquillage très réaliste, les effets sonores et la qualité des effets mécaniques, la scène fonctionne au-delà des espérances du réalisateur, et des craintes du scénariste. Elle restera même une des scènes marquantes du film, qui restera dans la mémoire du public.

La version que vous n’avez jamais vue…

Comme tous les films ayant marqué leur époque, et comme tous les films qui se sont faits dans le doute du montage adéquat, il existe donc des scènes supprimées du montage original. Comme ces images font somme toute partie du film, et que l’intérêt grandissant du public pour les bonus, scènes coupées et autres, est de plus en plus probant avec les rééditions DVD, l’idée d’une ressortie en salle pour les 25 ans du film a fait son chemin dans l’esprit du réalisateur. Surtout que William Peter Blatty, l’auteur, n’a pas cessé depuis la sortie du film de relancer le réalisateur pour un éventuel remontage incluant les scènes de discussion entre les prêtres, mais également des scènes qui avaient été supprimées tout simplement car les effets spéciaux ne fonctionnaient pas.

Cette édition de 2001 devait donc en fait ressortir pour les 25 ans du film…soit en 1998. Le projet est venu de Friedkin lui-même, qui pendant toutes ces années, a mûri, et a par la même occasion reconsidéré les doléances de son scénariste.

La première version du film faisait en effet 140 minutes, et incluait une scène de promenade entre Regan et sa mère, la scène d’artériographie, les essais maquillages d’Eillen Dietz qui seront disséminés ça et là dans le film, et bien sûr la scène de l’araignée qui a été la principale source de publicité pour cette ressortie en salle. Soit près de 18 minutes de scènes qu’il a fallu retrouver dans les archives de la Warner.

Eillen Dietz

Les recherches donnent de bons résultat…du matériel en assez bon état, mais auquel il manque parfois la bande son correspondante (la promenade de Regan et sa mère). Perdues dans les abysses colossaux des archives du studio, elles semblent définitivement perdues à jamais, aussi Friedkin doit donc faire avec ce qu’il a, et c’est avec 10 mn de scènes coupées qu’il se retrouve en salle de montage.

Blatty est aux anges (façon de parler)…enfin Friedkin reconnaît son travail (si tant est qu’il ne l’a jamais mal considéré) et la justification de ses demandes. Les deux hommes sont deux forts caractères, et malgré les intenses désaccords et les nombreux coups de gueules, jamais les deux hommes n’ont brisé une amitié sincère, même après que Friedkin ait viré Blatty de la salle de montage avant la sortie du film.

Les deux hommes reconnaissent volontiers le talent de l’autre, et c’est sur un consensus mutuel que le nouveau montage s’effectue, loin des pressions des studios et du tournage, et en laissant derrière eux les anciennes querelles.

Malheureusement pas prête à temps pour les 25 ans du film, la nouvelle version sera donc soignée comme il se doit par son auteur et réalisateur, les deux hommes travaillant pour une fois, presque main dans la main.

Puisqu’il a un peu de temps devant lui, Friedkin se sert des nouvelles technologies numériques en matière d’effets visuels pour finaliser des plans laissés en rade, et pour rajouter quelques pistes musicales discrètes qui renforcent un peu plus encore l’ambiance délétère du film.

Première bénéficiaire des finalisations numériques…la scène de l’araignée. Cette fameuse scène dont tout le monde parle pour cette ressortie de 2001, était déjà prévue à l’époque du tournage du film, et avait même été tournée. Mais le dispositif mis en place ne pouvait être camouflé efficacement pour donner une quelconque crédibilité à la scène. Les techniques modernes aidant, cette scène a donc pu être reprise, retravaillée numériquement pour effacer tous les câbles gênants, et finalement être incluse dans le film.

William Friedkin : « Cette scène nous avait déjà posé des problèmes…et en plus, on pouvait voir les câbles. A cette époque, nous ne disposions pas des ordinateurs capables de les effacer, et quand je regardais ces images, je me disais qu’il suffisait que quelqu’un remarque ces câbles pour ruiner toute la séquence. Quand nous nous sommes remis à travailler dessus, nous avons pu les éliminer complètement, ce qui a résolu notre problème. »

De l’aveu même de Friedkin & Blatty, cette nouvelle version est bien plus aboutie, et se rapproche finalement de la vision de Blatty et de ce qu’il avait écrit dans son livre.

William Friedkin :

«Ca faisait des années que Bill (Blatty) me suppliait de redonner au film la forme de son premier montage, parce qu’il sentait que ça lui donnerait davantage de sens. J’ai donc accepté de faire cette nouvelle version, et je dois dire qu’aujourd’hui je ressens parfaitement à quel point elle fait mieux ressortir le message spirituel de l’histoire (…) Je croyais que le film n’avait pas besoin de durer plus de deux heures, et je pense qu’aucune des décisions que j’ai prises à l’époque n’a fait de mal au film (…) Moi, je voulais juste le rendre plus sec, plus méchant, plus implacable dans sa progression narrative. (…) Si je compare aujourd’hui les deux versions, je vois bien que la première (sortie cinéma 1973) est plus froide, plus tourmentée, plus abstraite…plus proche d’un morceau de musique contemporaine que d’un morceau classique. Alors que cette nouvelle version est bien plus chaleureuse…et je pense, bien meilleure. »

Quant à William Peter Blatty… :

« Quand nous sommes sortis de la salle de projection où nous avons pu voir le montage intégral enfin assemblé, Billy (Friedkin) s’est tourné vers moi et m’a dit : « Tu vois…je réalise 25 ans après ce que tu essayais de faire avec ce film. » Texto ! Et ça m’a bouleversé. »

A Billy (Friedkin), le premier et seul réalisateur à avoir fait un meilleur film que le livre. Il n'y en a qu'un, et c'est toi. Avec toute mon affection et ma gratitude. Bill (Blatty)

26 décembre 1973...le jour-J !

Conclusion…

On pourra donc ne pas aimer cette œuvre pour le moins décalée et surtout différente, qui marqua son époque, les esprits, et le septième art. On pourra également être totalement d’accord avec ceux qui portent aux nues ce film, qui s’il a indéniablement pris un coup de vieux, n’en reste pas moins un monument à lui tout seul. On dit souvent que l’on mesure la popularité d’un film aux parodies, ou aux hommages qui en sont faits…et de ce côté-là, nul doute que L’exorciste aura inspiré nombre d’ersatz…que ce soit Leslie Nielsen parodiant brillamment le père Merrin dans Y’a-t-il un exorciste pour sauver le monde, James Wood dans un des films de la saga Scary movie. Mais il y a aussi des films plus « sérieux » traitant le sujet avec respect …on pourra noter parmi eux…outre bien sûr les suites directes du film de Friedkin que sont…

- L’exorciste 2 : l’hérétique en 1977 par John Boorman, qui sera un véritable échec commercial, public et critique.

- L’exorciste : la suite (n°3 donc) en 1990 par William Peter Blatty, qui se veut la suite directe du premier, ignorant le second que Blatty lui-même trouve très mauvais.

- Dominion : prequel to the exorcist tourné par Paul Schrader en 2004 qui, bien que tourné avant le film de Renny Harlin, sortira après dans des festivals, reprenant la même histoire sous un angle différent en 2005.

- L’exorciste : au commencement, par Renny Harlin en 2004, qui sera plus axé horreur de par les goûts du cinéaste.

- La maison de l’exorcisme en 1974, par Mario Bava

- Une scène d’ouverture où Keanu Reeves pratique un exorcisme dans Constantine, de Francis Lawrence en 2004

- L’exorcisme d’Emily Rose, plutôt bien réussi et réalisé par Scott Derrickson en 2005

- Le dernier exorcisme de Daniel Stamm qui, sur le registre différent du faux documentaire aborde le sujet différemment, avec une certaine originalité, sans être un chef-d’œuvre pour autant.

- Dernier en date, Anthony Hopkins qui se frotte aux démons dans les villes d’Italie dans Le rite en 2011, sous la direction de Mikael Hafström. Plutôt pas mal également, même s’il n’apporte rien de nouveau.

…force est de constater qu’aucun d’entre eux ne réussit à atteindre la puissance visuelle, psychologique que le film de Friedkin. Un grand classique du septième art, désormais disponible dans un très beau coffret Blu-ray qui regroupe la version originale de 1973 en mono, ainsi que la version de 2001, remontée et remixée en 5.1, mais avec un doublage différent, agrémentée de nombreux bonus très intéressants pour un prix très abordable.

Vous pourrez donc librement choisir entre la version brute d’origine et celle plus adoucie voulue par son auteur.

Jason Miller, William Peter Blatty & Ellen Burstyn

Traduction de la bande-annonce :

En 1973, un film a ouvert les portes de nos peurs les plus profondes....Cette année, le film le plus effrayant de tous les temps...revient...avec des scènes que vous n'avez jamais vues avant.

La version que vous n'avez jamais vue...

REVIENS-MOI

kschoice — Sat, 17 Mar 2012 17:12:00 GMT

(Atonement)

de Joe WRIGHT

Avec James MacAvoy, Keira Knightley, Saoirse Ronan, Brenda Blethyn, Vanessa Redgrave

2007 - Angleterre / France

Genre : Drame sentimental (2h05)

Date de sortie cinéma : 09 janvier 2008

Août 1935. Malgré la canicule qui frappe l'Angleterre, la famille Tallis mène une vie insouciante à l'abri dans sa gigantesque demeure victorienne. La jeune Briony a trouvé sa vocation, elle sera romancière. Mais quand du haut de ses treize ans, elle surprend sa sœur aînée Cecilia dans les bras de Robbie, fils de domestique, sa réaction naïve face aux désirs des adultes va provoquer une tragédie et marquer à jamais le destin du jeune homme.

Il est parfois des films dont on n’attend rien de particulier, sur lesquels on tombe par hasard, par attirance pour un acteur (en l’occurrence ici une actrice…Saoirse Ronan) et dont on ressort bouleversé. Le genre de film qui commence d’abord par intéresser, puis par intriguer, pour finir par fasciner le spectateur qui aura eu la bonne idée de s’y frotter.

Conscient d’un sujet et d’un décor pas spécialement très cinématographiques (les déboires d’une famille bourgeoise dans l’Angleterre des années 30, avant la seconde guerre mondiale), le réalisateur Joe Wright, s’attelle à réunir d’abord un casting glamour pour la tête d’affiche (James Mc Avoy et Keira Knightley), puis se met en tête de rendre vivante une histoire qui ne l’est pas forcément au début. Le réalisateur déploie alors tout son talent (car il en a le bougre) en rendant mobile sa caméra…nombreux travellings latéraux, lents zooms, alternance de plans serrés (gros plans visages ou abeille/ampoule) et larges, un long plan séquence (absolument superbe avec près de 2000 figurants) de 6 minutes, une photographie magnifique tant sur la demeure bourgeoise que sur les scènes liées à la guerre, des décors réalistes et criant de vérité, des maquillages très réussis, le tout sur une musique originale (un oscar en 2008 pour Dario Marianelli, qui alterne le classicisme d’un orchestre symphonique aux rythmiques syncopées (presque de la musique industrielle façon Björk dans Dancer in the dark) des touches d’une machine à écrire qui sera la plus à même de raconter cette douloureuse histoire.

En résulte un drame poignant, porté par un James Mc Avoy d’une classe indéniable et surtout monumentale, superbement mis en images, sur le ravage des sentiments humains qui amènent ces derniers à faire des choix qu’ils regretteront toute une vie, et qui brisera bien plus qu’une famille.

Une histoire de jalousie, d’amour avoué, mais inaccessible et quasiment mort-né, d’un mensonge fatal qui brisera les destinées de chacun, par le poids incommensurable et insoutenable d’un personnage déclencheur, une jeune enfant qui croit tout savoir et qui, en fin de vie, devenu femme écrivain, se livrera devant les caméras de télévision dans un final (pas vraiment un twist, même si ça y ressemble) aussi bouleversant qu’assurément cruel. En utilisant un style de mise en scène qui permet de voir une même scène sous le regard de personnages différents, le film navigue ainsi entre passé et présent, entre fantasme et réalité.

Le réalisateur fascine donc d’abord par sa direction d’acteurs, ces derniers qu’il filme avec une proximité presque intime et troublante (Keira Knightley l’est tout autant). On pense à James Ivory sur Les vestiges du jour, mais en plus moderne, tant la caméra se veut souvent mobile…tantôt au ras du sol, tantôt perchée, pour offrir au spectateur des angles de visions inédits et efficaces pour ne jamais lasser un spectateur que le réalisateur se permet toutefois de malmener par un style narratif, qui peut paraître déconcertant de prime abord, mais qui se révèle, au final, un exercice de style tout à fait brillant.

Un résultat qui satisfait même son auteur original…"C'est en quelque sorte une entreprise de démolition", estime l'écrivain Ian McEwan à propos du travail d'adaptation d'un livre au cinéma. "Il faut réduire une œuvre de 130 000 mots à un scénario de 25 000 mots. Le travail d'adaptation est particulièrement complexe pour le scénariste car il s'agit d'un roman très introspectif qui fouille la conscience de plusieurs personnages. Je trouve que Joe Wright et Christopher Hampton (le scénariste) ont accompli un travail d'une grande intelligence - et je dirais même plus, d'une grande pertinence." Un vrai film de cinéma donc, avec des vrais acteurs, et avec de vrais bons morceaux d’histoire dedans…à consommer avec délectation pour ceux qui se sentent lassés d’un cinéma bourrin et décérébré, pour apprécier ces quelques grammes de finesse…dans un monde de brutes. Superbe. 18/20

THE THING (2011)

kschoice — Fri, 02 Mar 2012 18:59:46 GMT

De Matthijs van Heijningen Jr.

Avec Mary Elizabeth Winstead, Joel Edgerton, Ulrich Thomsen

(USA / 2011 / 1h43)

Genre : Science fiction / Fantastique

Date de sortie cinema : 12 octobre 2011

La paléontologue Kate Lloyd part en Antarctique rejoindre une équipe de scientifiques norvégiens qui a localisé un vaisseau extraterrestre emprisonné dans la glace. Elle y découvre un organisme qui semble s'être éteint au moment du crash, de multiples années auparavant. Mais une manipulation élémentaire libère accidentellement la créature de sa prison glacée. Capable de reproduire à la perfection tout organisme vivant, elle s'abat sur les membres de l'expédition, les décimant un à un.

Passé l’étonnement (quoique vu le nombre de remakes US de films étrangers ou ricains anciens…ce n’est plus de l’étonnement finalement) de voir être mis en chantier une resucée du film de John Carpenter, force est de constater que cette version 2011 n’est pas la catastrophe annoncée…

1982…John Carpenter réadapte (un remake…oui, puisque c’en est un finalement) à sa sauce un film des années 50, La chose d’un autre monde de Christian Nyby (et accessoirement Howard Hawks que Carpenter, grand fan, réadaptera plusieurs fois).

Quelques décors extérieurs naturels et studio, maquillages efficaces à l’époque (on a forcément vu mieux depuis), tension palpable à l’écran par le jeu des acteurs…Carpenter signe un film qui fera date dans le petit monde du fantastique/SF.

Succès immédiat, élevé depuis au rang de « culte » par les amateurs de cinoche décalé, ou même d’auteur finalement…a bien y regarder…pas vraiment besoin d’en faire un remake.

Seulement, et c’est là toute la force du film, même si cette version reprend quasiment la trame originale, l’action se situe juste avant celle du film de Carpenter…à ce titre, le lien entre les deux est fait avec beaucoup de finesse et surtout de respect de l’œuvre que nous connaissons tous, durant deux minutes du générique de fin.

Loin du ratage complet donc, cette nouvelle version est une agréable surprise où l’on retrouve des décors qui nous sont familiers (quelques clinsd’œil sympathique), de par une reconstitution minutieuse, des acteurs, pour la plupart inconnus, mais très crédibles, et bien sûr des effets spéciaux moins kitsch (mais qui avaient fait leur petit effet à l’époque) qui valorisent un peu plus un film SF/horreur où surnage néanmoins une impression (qui pourra paraître désagréable à certains) de véritable remake en lieu et place d’une préquelle.

Si le fait d’avoir introduit dans l’histoire deux femmes, restera discutable pour la cohésion de l’ensemble, ce dernier remplit finalement son quota de divertissement. D’autres pourront également regretter le fait d’avoir eu recours aux effets numériques plutôt que des maquillages plus physiques, palpables et moins lisses…certes, mais en 2011, il eut été risqué de revenir à une période aujourd’hui révolue, et par ailleurs, la « chose » est loin d’être une catastrophe.

La fin laisse quand même planer quelques questions qui restent sans réponses…astuce marketing pour une véritable suite (quid de la scientifique US) ??? Devant les retours assez positifs sur ce film, seul l’avenir nous le dira. 13/20

HANNA

kschoice — Sun, 19 Feb 2012 14:30:00 GMT

De Joe Wright

(USA/Angleterre/Allemagne – 2011)

Avec Saoirse Ronan, Eric Bana, Cate Blanchett, Jason Flemyng

Genre : action/aventures/espionnage / 1h50

Sortie cinéma : 6 juillet 2011

Oyez…Oyez… !

Qu’on se le dise, les films d’actions testostéronés ne sont plus l’apanage des machos bodybuildés. Depuis les James Bond girls, parmi lesquelles certaines mettent la misère à un 007 parfois dépassé, où encore l’apparition de combattantes chinoises aussi charmantes que souvent fatales et mortelles (Michelle Yeoh fût probablement la première avec le sublime Tigre & Dragon, bien avant les très mignonnes Zhang Ziyi et Maggie Q), le cinéma enrichit sa galerie de wonder-women à faire trembler les meilleurs combattants masculins…Jason Bourne n’a qu’à bien se tenir. Si ces dernières décennies c’était Geena Davis (Au revoir à jamais) ou Angelina Jolie qui s’y collaient (dans une moindre mesure Lara Croft, ou plus récemment Salt), on a vu débarquer des femmes au caractère bien trempé. Que ce soit chez Besson (Nikita/Leon/Jeanne d’Arc/Le cinquième élément), Tarantino (la mariée dans Kill Bill) ou les plus prosaïques, mais néanmoins charmantes Rhona Mitra (Doomsday) ou Kate Beckinsale (Underworld), où la toute récente Zoë Saldana (Colombiana) le cinoche en général enrichit encore aujourd’hui sa galerie d’un nouveau personnage, intéressant à plus d’un titre…Hanna.

Jeune fille élevée dès son plus jeune âge aux techniques de combat, maniement des armes (blanches ou a feu) dans un environnement hostile (très beaux paysages finlandais au début du film) par un père dont on sent un indéniable côté agent secret…cette dernière sera l’instrument de vengeance d’un père (Eric Bana) qui faisait partie d’un projet gouvernemental avorté de manière brute, visant à créer génétiquement des combattants parfaits.

Multilingue, très éduquée sur un monde qu’elle ne connaît pourtant pas, elle va découvrir ce dernier tout en exécutant la mission que lui a confié son père…tuer la responsable de la mort de sa mère. J’ai bien dit LA responsable. Encore une femme qu’il ne vaut mieux pas chatouiller trop longtemps. Cette dernière, est interprétée par une Cate Blanchett volontairement froide et manipulatrice.

Maintenant que le décor et l’ambiance sont plantés, parlons du film…Porté par Saoirse Ronan, la révélation grand public de Peter Jackson dans son noir, mais sublime Lovely Bones, le film est beaucoup de choses à la fois…tantôt très rythmé dans les scènes de combat, tantôt plus calme avec des scènes tirant sur la comédie, tantôt intimiste quand notre jeune héroïne découvre l’amitié avec une jeune touriste française, le tout porté par une partition techno (The Chemical Brothers), l’ensemble se révèle aussi surprenant, que bizarre, et quelque peu dérangeant.

Si la première demi-heure est très visuelle, avec de superbes paysages enneigés, le reste du film est somme toute très différent. Pas inintéressant car, certaines scènes sont percutantes et très techniques…à ce titre la scène de combat sur le port avec les containers cargo à dû être un véritable cauchemar logistique car tournée en un long plan séquence très maîtrisé (le réalisateur avait déjà fait de même dans son précédent film Reviens-moi, déjà avec Saoirse Ronan), donc très réussi.

Mais au final, on reste dubitatif devant la finalité de l’histoire, cette dernière étant alourdie de personnages à la limite du caricatural parfois.

Mais personnellement, je suis quand même resté admiratif du charisme de la jeune actrice au regard envoûtant (c’est pas possible des yeux pareils !!!) et à la fragilité paradoxale, qui contraste violemment avec ses capacités de tueuse implacable.

Saoirse Ronan, si elle choisit bien ses films, deviendra, à n’en pas douter, une bonne actrice capable de grandes choses. Après Jackson elle tourne avec l’australien Peter Weir dans Les chemins de la liberté. Et la liberté, elle semble pour le moment la connaître, puisque son prénom signifie "liberté" en irlandais. Gageons qu'elle saura la garder.

Si ce film reste en demi teinte (superbe réalisation assez stylisée…trop parfois peut-être, mais scénario et personnages pas très aboutis, musique qui peut paraître trop originale, et pas assez conventionnelle) , elle n’en est qu’au début de sa carrière, et nous prouve néanmoins sa capacité d’adaptation à un film qui aurait gagné à plus de simplicité dans sa narration, avec moins d’extravagances visuelles (ça fait très clip vidéo par moments, surtout avec de la techno parfois abrutissante) qui desservent un film qui aurait pu donner quelque chose de très bon avec un réalisateur plus expérimenté.

Pas un chef-d’œuvre, mais pas une sombre bouse non plus, le film possède autant d’atouts (Saoirse Ronan, des plans parfois très maîtrisés), que de défauts (un jeu d’acteurs chez les « méchants » limite ridicule, une bande son pour moi inadéquate).

Un film qui remplit néanmoins son quota de divertissement. 13/20

INTOUCHABLES

kschoice — Mon, 30 Jan 2012 10:06:00 GMT

d'Eric Toledano & Olivier Nakache

Avec François Cluzet, Omar Sy, Anne Le Ny, Audrey Fleurot

(France – 2011)

Genre : Comédie dramatique / 1h50

Date de sortie cinéma : 02 novembre 2011

A la suite d’un accident de parapente, Philippe, riche aristocrate, engage comme aide à domicile Driss, un jeune de banlieue tout juste sorti de prison. Bref la personne la moins adaptée pour le job. Ensemble ils vont faire cohabiter Vivaldi et Earth Wind and Fire, le verbe et la vanne, les costumes et les bas de survêtement… Deux univers vont se télescoper, s’apprivoiser, pour donner naissance à une amitié aussi dingue, drôle et forte qu’inattendue.

Que dire de plus que ce qui a déjà été dit ailleurs, et par de plus en plus de gens favorables envers ce film ? Pas grand-chose en fait…les entrées salles témoignant souvent du succès d’un film, sans pour autant mettre en lumière ses qualités artistiques (il y a des vrais chefs-d’œuvre qui n’ont pas fait le nombre d’entrées qu’ils auraient pourtant mérité, et d’autres qui ont fait un nombre incalculables d’entrées sans pour autant que ce soit des chefs-d’œuvre), Intouchables semble en effet s’envoler vers des sommets inespérés et forcément vertigineux. Et c’est tant mieux, car vraiment mérité pour ma part.

Vous l’aurez deviné, à mes formulations, j’ai été conquis comme beaucoup par ce film simple, sans esbroufe, qui dégage une authentique aura de film évènement (d’aucuns diront culte, pour ne pas dire « santo subito »). Car, oui, c’est ce qu’il est finalement, un évènement véritable, presque un miracle dans le cinéma français comme il nous est donné de voir que trop rarement, peut-être une fois par décennie, non seulement pour ceux que le cinéma français désespérait de revenir à la comédie dramatique, secteur ô combien dominé par les ricains. Si en France on sait faire des films, on n’est pas vraiment doué pour le mélange des genres…c’est soit de la comédie pure, soit un drame absolu, ce dernier souvent noyé dans un pathos parfois de mauvais goût.

C’est là où le film de Nakache et Toledano relève le défi casse-gueule de mêler réalité des banlieues avec une justesse et une étonnante sobriété, au drame (aujourd’hui classique) d’un bourgeois touché dans sa dignité la plus profonde. Le tout avec un humour décomplexé et magnifique pour l’histoire de deux hommes que tout oppose.

Si le film est réussi de ce côté-là, il faut également saluer le choix du titre qui peut se lire à plusieurs niveaux. En effet, en Inde, les « intouchables » sont ceux et celles qui sont parmi les plus pauvres de la population, souvent estropiés, alors contraints aux besognes les plus basses, et forcément les plus sales, au point qu’on ne veuille pas les croiser, encore moins les toucher, car presque plus humains finalement.

Si l’on transpose ce « concept » d’intouchables dans notre civilisation européenne, on peut vite s’apercevoir que les deux catégories qui ressortent chez nous sont les jeunes de banlieues défavorisées (souvent atteints du délit de sale gueule, et associés, à tort ou à raison, à une racaille avide de substances prohibées), et la majorité des handicapés, qui nous rappellent ce qui pourrait nous arriver à tous.

Réunir deux hommes appartenant à ces catégories, et faire de leur relation une véritable amitié plus humaine finalement que celle de la plupart des gens, voilà en fait le véritable message du film. Ces deux là vont se dédouaner des clivages de la société moderne, en faisant voler en éclat les préjugés les plus classiques pour s’élever au-dessus de bien du monde et par là même, devenir « intouchables », mais dans le bon sens du terme cette fois-ci…Que rien ni personne ne pourra atteindre…D’où l’ambivalence du titre.

Porté par un duo tout simplement inattendu, d’où Omar Sy se révèle en fait le meneur incontesté, et incontestable (au point que l’on se demande pourquoi ce n’est pas lui la tête d’affiche) au point d’éclipser la pourtant excellente prestation d’un François Cluzet, que je n’ai par ailleurs jamais apprécié…c’est peu dire, si je suis ici objectif.

Avec des plans savamment calculés, alternant la douleur de l’un, et la « normalité » de l’autre, entre des dialogues cruels de lucidité du personnage de Cluzet, et ceux franchement hilarants de Sy, le tout porté par les partitions musicales de Ludovico Einaudi (qui sont à ce titre très belles et se rapprochent de celles d’un Yann Tiersen inspiré) l’échange mutuel de leur culture, va forcément faire des étincelles pour le plus grand bonheur des spectateurs.

Bien que je n’y croyais pas vraiment, je suis comme beaucoup, conquis et surtout séduit par un cinéma que j’aimerai voir plus souvent, typiquement français, sans inspiration US. Un cinéma sobre, efficace, intelligent (bien que prévisible il faut bien l’avouer quand même, à prendre comme un conte moderne à la morale implacable), bref…vrai. Si le film est très réussi, il n’échappe pourtant pas à quelques maladresses (rupture de rythme narratif, ou jovialité d’un Omar Sy parfois limite excessif) mais qu’importe. On attend avant tout d’un film, non pas la perfection, mais qu’il nous fasse passer (au-delà d’un message humain) un bon moment, entre rires et franche compassion. Et de ce simple point de vue, c’est quand même plutôt réussi…Chapeau bas Messieurs ! 17/20

LA CONQUETE

kschoice — Fri, 20 Jan 2012 18:04:00 GMT

de Xavier Durringer

avec Denis Podalydès, Florence Pernel, Bernard Lecoq,Hippolyte Girardot, Samuel Labarthe

(France-2011)

Sortie cinéma : 18 mai 2011

Genre : Docufiction/comédie dramatique - 1h45

6 mai 2007, second tour de l'élection présidentielle. Alors que les Français s’apprêtent à élire leur nouveau Président, Nicolas Sarkozy, sûr de sa victoire, reste cloîtré chez lui, en peignoir, sombre et abattu. Toute la journée, il cherche à joindre Cécilia qui le fuit. Les cinq années qui viennent de s'écouler défilent: elles racontent l'irrésistible ascension de Sarkozy, semée de coups tordus, de coups de gueule et d'affrontements en coulisse. La conquête : L'histoire d'un homme qui gagne le pouvoir et perd sa femme.

A quelques encablures d’un mandat présidentiel touchant à sa fin, le « petit » Nicolas, on le sait désormais, est l’homme de tous les records. Mais celui qui nous intéresse ici, sur ce blog en premier lieu dédié au cinéma, est bien sûr d’être le premier homme politique en activité à être le personnage d’un film à son image. Une première en effet, car d’ordinaire, c’est plutôt quelques années, voire décennies qui se passaient avant qu’un tel projet ne voit le jour. Pas véritablement un biopic, le film ne traite que les 5 années du candidat de son entrée au gouvernement à la lente ascension vers le sommet, pas véritablement une comédie, bien que certaines séquences en ont bel et bien la saveur…A quoi pouvait-on donc bien s’attendre avec un tel sujet, et une telle audace ? Devant la décision d’un tel projet, Nicolas Sarkosy avait déclaré qu’il ne mettrait en aucune façon une quelconque pression sur l’équipe du film. C’est tout à son honneur.

Le résultat ? Eh bien une très agréable surprise. Le tour de force de ce film est donc de concilier une pincée de biopic, avec quelques grammes de comédie, le tout sans jamais tomber dans la caricature, ce qui n’avait été toujours le cas avec les précédentes tentatives (sur Coluche notamment). Car c’est bien ce qu’il y avait à craindre à incarner ainsi des personnages dont l’attitude, les gestes et les paroles, sont encore somme toute encore assez présents dans nos esprits. Autant avec un personnage éloigné de nous de plusieurs décennies, qui plus est décédé, on peut prendre sur la pellicule quelques libertés en misant sur la mémoire sélective des spectateurs (Mitterand), autant avec un président encore en activité, aucune approximation n’est possible.

C’est là que le scénario est des plus importants. Le scénario, mais pas que…le casting aussi. Et nul doute que de ce côté-là, c’est Mission accomplie, et avec mention. Bien que pas très fan du cinéma français, j’avoue qu’ici, les acteurs incarnant le trio Sarkosy/Chirac/Villepin, respectivement Denis Podalydès, Bernard Lecoq et Samuel Labarthe sont tout simplement excellents. Avec une mention toute spéciale pour Podalydès qui colle au plus près de son illustre personnage, avec une tonalité et une gestuelle des plus crédibles. Sans être timorés, mais sans trop en faire non plus, le juste équilibre à été trouvé, ce qui permet d’apprécier l’ensemble du jeu d’acteurs. La plupart du temps juste et envoûtant. C’est assez rare que je sois dithyrambique sur un film français, mais c’est le cas ici, indéniablement.

Le film passe en revue, sans trop s’y attarder toutefois, les diverses « affaires » émaillant la vie personnelle ou politique du candidat Sarkosy, de l’affaire Cécilia et des SMS, à l’affaire Clearstream, en passant par l’épisode banlieues en feu. En effet, ces affaires-là, tout le monde les connaît, et le film préfère s’attarder sur les coulisses, les relations parfois tendues, entre les différents protagonistes du gouvernement.

S’il y avait à craindre un éventuel ennui, ou un parti-pris quelconque, il n’en est rien finalement, et le scénariste, connu pour son sérieux (Patrick Rotman…déjà auteur d’un documentaire sur Chirac, ou de la guerre d’Algérie…L’ennemi intime c’était déjà lui) nous fait découvrir les arcanes du pouvoir sans jamais lasser, nous montrant presque le côté « comédie » des réunions ou congrès. Plusieurs plans vont dans ce sens…Sarkosy s’entraînant seul sur scène en répétant son discours, les « coulisses » des déjeuners devant les journalistes…le tout soutenu par une musique qui rappelle fortement des numéros de cirque. A souligner également quelques savoureux échanges verbaux, dignes des plus belles « vannes » entre candidats, élus, ou désirant l’être, dans des dialogues aussi ciselés que son sujet principal.

Mais au final, que l’on aime ou pas l’homme politique qu’est Nicolas Sarkosy, c’est surtout une profonde humanité, avec ses travers et ses défauts, qui se dégage du personnage (dans le film), qu’il soit tantôt séducteur et crédible, tantôt despotique avec son entourage (dans le film). S’il devait y avoir un tout petit bémol, ou quelques notes dissonantes (oups…mes cours de musique reprennent le dessus), ce serait probablement les imitations du personnage de Villepin en Poivre D’arvor pour les répétitions du discours de Chirac, ou celles, plus ridicules encore du personnage de Charon (Dominique Besnehard) en Ségolène Royal pour les répétitions du duel de Sarkosy. Sans avoir la pertinence d’un Karl Zéro (Dans la peau de Jacques Chirac) qui utilisait le tout et son contraire sur un Jacques Chirac cabotineur, bien qu’attachant, le film de Xavier Durringer s’en sort donc avec les honneurs, en grande partie grâce à un casting talentueux.

Certes le film ne prend pas vraiment de risque majeur, et on n’y apprendra pas grand-chose que l’on ne sache déjà. Mais pour qui s’intéresse à la politique, c’est l’occasion de découvrir les coulisses d’un monde aussi complexe que fascinant, entre hypocrisie, attitudes belliqueuses, sourires flatteurs ou détermination farouche. Pas vraiment flatteur, mais pas décrédibilisant pour autant, chacun verra donc dans ce film, selon son propre avis sur le personnage, l’occasion de se convaincre de ses idées envers lui...Si on n’aime pas Sarkosy, on y trouvera toutes les raisons de cette inimitié, et si on apprécie le personnage, on y trouvera également de quoi alimenter cet intérêt…Et ça, scénaristiquement parlant, c’est plutôt fort… 16/20

THE HUMAN CENTIPEDE

kschoice — Sat, 07 Jan 2012 18:05:00 GMT

(The human centipede - First sequence)

de Tom SIX

Hollande - 2009

Avec Dieter Laser, Ashley C. Williams, Ashlynn Yennie, Akihiro Kitamura

Date de sortie cinéma : 30/10/2009

Genre : Thriller / Horreur (1h30)

Deux touristes américaines en Hollande sont victimes d’une crevaison en pleine nuit dans les bois. Afin de trouver de l’aide, elles s’enfoncent dans les bois et aperçoivent finalement une riche maison isolée. Le propriétaire, ancien chirurgien, les accueille froidement, puis décide de les droguer afin de les inclure dans une expérience cauchemardesque…

On ne compte plus aujourd’hui les films d’horreur plus crades les uns que les autres, et qui tentent, souvent vainement, de faire passer un message quelconque. A grand renforts de maquillages plus réalistes les uns que les autres, chacun de ces films tente d’aller toujours plus loin dans l’horreur de l’esprit humain. Pour des raisons souvent obscures, ou d’ordre psychologique ou encore religieux, le genre est devenu un exutoire des fantasmes les plus morbides de l’être humain. Prétexte inconscient et refoulé d’un atavisme séculaire, beaucoup de ces films revisitent les tentatives de recherches sur l’être humain initiées par les pionniers de la chirurgie moderne, tel Ambroise Paré, qui au Moyen-âge, étudiait sans cesse l’anatomie humaine via les malades et cadavres qui passaient entre ses mains, ou, plus proches de nous, des médecins nazis des camps de concentration.

Le film à l’affiche aujourd’hui ne fait pas exception à la règle, bien au contraire même. Ne cherchant à délivrer aucun message, le film se repose surtout sur un postulat médical qui tend à prouver que les plus grands chirurgiens se prennent souvent pour Dieu.

Digne héritier d’un docteur Frankenstein avec un esprit et un faciès de nazi sur le retour, le chirurgien de ce film donne froid dans le dos tant il est né pour jouer ce rôle (imaginez un mix de Christopher Walken et de Lance Henricksen et vous aurez un bon aperçu du gaillard). Le docteur Heiter, spécialisé dans la séparation des siamois, se met en tête (à l’instar d’une célèbre compagnie de communication) de relier les hommes entre eux, et d’être le premier à créer un mille-pattes humain.

Pour cela, trois sujets (un japonais enlevé, et deux touristes plutôt mignonnes qui ont eu la bonne idée de crever un pneu en pleine foret et de frapper à la porte de ce bon docteur)…le premier sujet se verra greffer à son anus la bouche du deuxième sujet, et ainsi de suite…si vous êtes sur le point de passer à table…bon appétit.

Sur un sujet déjà bien ragoûtant, le réalisateur hollandais décide pourtant de ne pas mettre le paquet sur les plans sanglants et intimistes. En effet, et c’est peut-être là la force du film, c’est essentiellement la suggestion qui l’emporte, ainsi que des gros plans sur les regards des pauvres cobayes obligés de subir l’impensable. Pas très visuel donc, le film repose sur le jeu des acteurs et sur une ambiance franchement très malsaine, qui se focalise sur la psychologie ressentie par les personnages. Une situation cauchemardesque qui nous fait penser que le monde possède une belle brochette de dégénérés et de tarés de première catégorie.

A voir de préférence en français, car en version originale, vous aurez à lire trois sous-titres sur certaines scènes, l’allemand du docteur, l’anglais des américaines, ainsi que le personnage japonais qui lui ne parle ni hollandais ni anglais…même sous la torture !

A réserver à un public averti donc, pas tant pour des plans choquants et sanglants, car à part quelques vilaines cicatrices et des positions outrageantes, rien n’est montré au grand jour, mais plus sur un plan psychologique qui se veut très approfondi dans les situations et les actes du chirurgiens. Quelques maladresses et un jeu d’acteur sur certains personnages (les flics) pas toujours au top, mais une ambiance cauchemardesque qui donne parfois le frisson. L’horreur est humaine… ? A la vision de ce film, on serait tenté de dire oui. 14/20

LE COMPLEXE DU CASTOR

kschoice — Mon, 02 Jan 2012 11:17:00 GMT

(The beaver)

réalisé par Jodie Foster

Avec Mel Gibson, Anton Yelchin, Jodie Foster, Jennifer Lawrence

Genre : Drame / 1h30

USA / 2010

Date de sortie cinéma : USA 20/05/11 - France 25/05/11

La vie de Walter n’est plus ce qu’elle était. Déprimé, il vit au ralenti, il s’éloigne de sa famille, ses proches. Sa femme finit par le chasser de la maison pour le bien de leurs enfants. Touchant le fond, il s’accroche malgré lui à une marionnette de castor trouvée un soir par hasard qui va devenir son sauveur et l'empêcher d'en arriver à mettre un terme à sa vie devenue si miséreuse... Il utilise cette marionnette comme une personnalité à part entière qui l'a "délivré" de son mal de vivre; extériorisant toute la détresse qu'il a en lui, toutes les choses qu’il n’ose pas dire à son entourage (famille, collègues). La marionnette devient alors sa "nouvelle personnalité", un nouveau Walter, plus positif et sûr de lui. Rapidement il reprend le contrôle de sa vie mais découvre peu à peu qu’il ne peut plus vivre sans vivre la "vie de son castor" qui le rassure et l'aide à surmonter son mal être si profond...Mais bientôt ce "castor" devient de plus en plus envahissant...

Au regard des derniers déboires personnels de Mel Gibson et de la cabale médiatique dont il fait l’objet, le tout combiné aux résultats de plus en plus médiocres des films dont il est l’acteur principal (Hors de contrôle a été un échec en grande partie de la médiatisation de ses frasques alcooliques et verbales), confier le rôle principal d’un film indépendant traitant de schizophrénie avait tout d’un casse-gueule assuré.

Mais Jodie Foster, dont l’amitié avec Mel Gibson remonte au tournage de Maverick en 1994, n’est pas de ses actrices à céder aux sirènes du scandale, et en tant que femme influente dans le milieu du business cinématographique américain, quand Jim Carrey et Steve Carell refusent en premier lieu le rôle principal, elle pense alors à Mel Gibson, et se battra pour l’imposer dans ce rôle, mettant justement en avant la comparaison entre la dépression de son personnage et la réalité personnelle d’un acteur toujours talentueux brisé par le refus de la profession de le voir désormais figurer au moindre générique d’un film (il devait tenir le rôle du tatoueur dans Very Bad Trip 2, et Leonardo Di Caprio lui aussi, pressenti pour le prochain film de Gibson sur les vikings, l’abandonne sans plus de ménagement). C’est, d’après les dires de l’actrice-réalisatrice, par pure amitié et par une volonté farouche de réhabiliter le Mel Gibson acteur qu’elle lui offre le rôle.

Ce qui aurait pu sembler de prime abord une vaste fumisterie ridicule, (le synopsis n’est pas des plus attractifs il faut bien l’avouer) se révèle au final un vrai tour de force. Tout en retenue, et avec la sobriété qu’on lui connaît elle filme donc sa troisième réalisation (après Le petit homme en 1991 et Week-end en famille en 1996) en mettent en scène un quinqua dépressif et suicidaire qui pour se sauver décidera de parler au travers une marionnette greffée au bras gauche. Dans ce film, elle montre également les sentiments sous-jacents, souvent (auto)destructeurs, de tout individu noyé dans la masse d’un monde cruel et injuste qui ne laisse que peu de place au bonheur et à l’épanouissement. Les institutions, la famille…tout y passe.

Mel Gibson, et ce n’est pas pour le défendre face à ce qui lui est reproché, y est d’un point de vue filmique tout à fait énorme et rend certaines scènes avec sa marionnette, qui auraient pu se révéler des plus ridicules, finalement profondément humaines et réalistes.

Anton Yelchin, qui joue ici le fiston universitaire d’un couple sur le point d’imploser, ne démérite pas non plus tant son personnage ressemble intrinsèquement à celui de son père dans le film. L’un se cachant derrière sa marionnette, l’autre derrière des textes qu’il écrit pour d’autres où il y met beaucoup de lui-même. Chaque personnage, la mère (Jodie Foster), le père (Mel Gibson), le fils (Anton Yelchin) tous encore ensemble comme liés par le plus jeune fils, auront fort à faire en introspection personnelle pour se sortir d’une situation qui n’a pourtant guère de chance de voir une issue positive, au vu de tous les éléments présentés.

Derrière une apparence pessimiste et une réalité des plus crédibles, se cache en fait un espoir farouche de voir chaque individu se révéler aux autres en mettant de côté tout ce qui nous entraîne vers le bas. Porté par un Mel Gibson qui ne démentira pas ici les qualités d’acteur qu’on lui connaît, investi et habité qui y voit peut-être sa dernière chance de prouver sa véritable valeur, dans le but de faire oublier ce qu’on dit de lui dans la presse à scandale, le film, sans un être un chef-d’œuvre absolu, se pare de très beaux atours d’un drame puissant et profond, qui confirme pour l’une des talents de réalisatrice évidents, et pour l’autre une sensibilité à fleur de peau qui m’a toujours touché (sa tentative de suicide dans L’arme fatale, la force de son regard dans Braveheart, sa détresse dans La rançon où la perdition proche de la folie dans le Hamlet de Zefirelli sont autant d’exemples d’un acteur magnifique et grandiose et on ne peut plus humain qui m’a fait plus d’une fois frissonné d’émotion).

Bien sûr, loin des blockbusters speedés et explosifs, ce petit film indépendant, clairement estampillé drame psychologique, ne fait pas vraiment le poids, mais avec sa galerie de personnages torturés, il reste un bel exemple de ce que le cinoche peut apporter à ceux qui recherchent un cinéma plus intimiste et cérébral, sans tomber dans la pathos à sortir son mouchoir…A ce titre Le complexe du castor est une vraie réussite et ne laisse guère indifférent.

Mel Gibson ne m’a jamais déçu, et même si j’appréhendais ici, il n’en est rien finalement…Quel acteur…vraiment !!! 17/20